Loraine Holmes

La inspiración en todas partes

@loraineholmes_official

El último año ha sido en cámara rápida para Loraine Holmes, con sus diseños en portadas y usados por celebridades locales, incluyendo a Daniela Vega en la alfombra roja de los premios Globos de Oro. Todo eso le permitió dar un salto cualitativo en la visibilidad de sus creaciones.
Estudió Arte en la Universidad Católica y en medio de su carrera partió de intercambio a Milán. Cinco años después volvió, titulada en Fashion Design del prestigioso Istituto Marangoni, a lanzar su marca homónima con una primera colección primavera-verano. En cuestión de meses investigó, exploró y probó proveedores y sistemas de trabajo, hasta que se convenció de que la mejor manera era partir con un taller pequeño.
Hoy, al frente de un equipo de trabajo ya bien consolidado, Loraine afirma que la inspiración está en todas partes y sus diseños surgen de imágenes que encuentra en la calle, en el cine, en una revista e incluso en sus propios sueños. “En el futuro me encantaría convertir a LH en una marca capaz de representar internacionalmente al país en la industria de la moda”.

lorraine

“Imagino una mujer fuerte, sofisticada, segura de sí misma e independiente, pero a la vez dulce y femenina. Sueño con mujeres libres, que no teman usar lo que les gusta. Esas mujeres que vemos cada vez más en las calles de Santiago, que dedican tiempo a sí mismas y lucen orgullosas el diseño chileno”.

ilustraciónrevistacaras

 

Clara Edwards

La diferencia del ‘handmade’

@claraedwards_

Hace poco más de una década, Clara Edwards (34) decidió poner en práctica la idea que la rondaba desde que era una estudiante: crear su propia marca. Bajo la etiqueta Santa Clara –hoy llamada Clara Edwards– empezó a coser vestidos de novia inspirados en la feminidad y el romanticismo de piezas que podían combinar encajes, transparencias, sedas y gasas con un trabajo de terminación que les confiere su exclusividad. Desde entonces ha presentado dos colecciones anuales por temporada, solo interrumpidas por sus estudios de sastrería y alta costura en el London College of Fashion y de conceptualización de colecciones en el Central Saint Martins de Londres. 

“Desde un comienzo busqué embellecer con mis diseños, no solo vestir. Trabajo con las tipologías de cuerpo, buscando sacarle partido a lo bueno y minimizar lo que no lo es tanto”, dice y agrega: “Como son prendas únicas, cada una busca hacer sentir de esa misma forma a quien las usa. Por eso mis vestidos no pasan inadvertidos en un matrimonio”. En sus diseños destacan también los detalles de alta costura, como bordados a mano y otras terminaciones que, a su juicio, a veces no son todo lo apreciadas que deberían. “Acá la gente valora más la totalidad de un vestido que sus detalles, por eso me encantaría que en un futuro mi etiqueta Clara Edwards fuera reconocida como una marca que no replica nada, que hace sus terminaciones a mano y que, en el fondo, le da mucha importancia a la parte hand made”.

clara

“Tiene aplicaciones de bordado en flores y pedrería y dos temas que ocupo bastante como el movimiento y la simetría. En el fondo, refleja mucho de lo que caracteriza mi trabajo: es un diseño que se armaría en parte por moldaje y en parte sobre maniquí, lo que lo hace hasta cierto punto único e irreplicable. Esa es la exclusividad del handmade”.

Boceto-Clara-Edwards

Matías Hernán y Carlos Palma  

Cruce de gustos
@theremixstyle

The Remix, creada en 2015 por Carlos Palma y Matías Hernán, es una marca de streetwear unisex articulada como un mix de ideas y conceptos que giran alrededor de la cultura pop. Comenzaron a trabajar juntos en 2013, cuando Carlos, diseñador multimedia, estuvo a cargo de los visuales para un desfile de Matías. Desde entonces las colaboraciones se hicieron recurrentes en gráficas, estampados, dirección de arte fotográfico y videos, hasta que de un proyecto puntual de Carlos –una serie de poleras llamada The Remix – surgió la idea de desarrollar una línea de ropa de calle que interpretara el gusto de ambos y sacarla a través de una etiqueta distinta a la de Matías como diseñador. Hoy, The Remix además de las poleras incorpora chaquetas, mochilas, gorros y pantalones con referencias provenientes del mundo de los objetos, canciones y del cine. Además, en su fabricación utilizan mucha tecnología. Para ello la dupla cuenta con su propio laboratorio, la etiqueta Doble Tag, dedicada a experimentar con procesos y materiales como sublimación, vinilo, 3D o corte láser. De los resultados de esas exploraciones se alimenta el vanguardismo de The Remix, aunque en dosis controladas que no encarezcan las piezas o limiten su viabilidad comercial.

hernan

“Como marca apuntamos a la diversidad, por eso todos nuestros diseños tienen en común una base inclusiva, multiétnica y sin género, algo que también buscamos reflejar en nuestras campañas. Estamos tratando de salirnos de los estereotipos, con nuestra ropa y también con la manera en que la comunicamos”.

The-Remix-Boceto-Caras

 

Stephanie, Melissa y Claudia Byrt 

Mujeres bajo la influencia

@bad_sisters

Desde que crearon Bad Sisters, Melissa y Stephanie Byrt planean cada colección a partir de alguna mujer que haya marcado la historia. Y ahora que Claudia, la madre de ambas, se sumó al equipo, el romanticismo también ha impregnado sus creaciones.

Nacidas y criadas en Puerto Varas, las hermanas Byrt estaban condenadas a no pasar inadvertidas en tan apacible cuna. Crecieron rodeadas de las telas y pinturas del taller de su mamá. De ahí viene todo. Y también del estilo de su abuela, que es muy moderna. Pero fue el día que conocieron el proceso de estampado de telas que “empezamos a rayar con el tema y a unir la confección de ropa con la fabricación de telas propias. Era 2009 y lo primero que sacaron fue una línea de bikinis. El siguiente paso fue estampar telas con sus propios diseños.  En adelante comenzaron a abrirse un espacio propio en la moda local, donde además de establecerse como creadoras de las colecciones que presentan dos veces al año, organizan talleres de diseño y estampado digital. “El marketing se va dando de un modo casi intuitivo”, afirman. De hecho, fueron invitadas a presentar su colección en la New York Fashion Week realizada en septiembre.  

Sobre el futuro, no se cierran a nada. Ya han trabajado con marcas importantes del sector retail, pero no están dispuestas a todo: “El nuestro es un sello demasiado marcado, muy de nosotras, algo que nos une desde lo familiar”, concluyen.

bad-sisters

 

“Imaginamos una mujer con mucha actitud, empoderada y líder de opinión. No tiene miedo a mostrar sus imperfecciones, es dueña de sus decisiones y busca expresar lo que quiere sin importar la opinión de los demás. Es actual, se atreve con los colores, formas, texturas y siempre está innovando con mucha feminidad”.

Boceto-Bas-Sisters

Rosario Riveros

Arte funcional

@duendecapitalista

Duende Capitalista es una prueba fehaciente de que, dentro de la moda de autor, existe espacio más que suficiente para la experimentación y el desarrollo de marcas cuyo foco no esté puesto necesariamente en el vestir cotidiano, sino más bien en la expresión de un arte funcional, impecable y festivo. 

La marca en sí nace en 2006 y rápidamente comienza a destacar como una de las primeras exponentes del diseño chileno de autor más ligado al arte que a la moda en su expresión convencional. No es casualidad entonces que la formación de Rosario Riveros (38), la mujer tras el duende, sea netamente artística: “No tengo estudios de diseño ni de moda y eso ha marcado una diferencia que, yo diría, le da su propio carácter a la marca”. 

Con cada colección cuenta una historia diferente que tiene mucho que ver con el momento personal que está viviendo. “Cada pieza tiene su nombre, es única y ha sido trabajada como una obra de arte. Valoro inmensamente el trabajo hecho a mano, los materiales nobles, antiguos y por supuesto, únicos”, sentencia. Materiales, muchos de ellos, que provienen de objetos encontrados en persas y mercados libres. Ella misma se considera una “coleccionista/exploradora profesional”.

En este momento está abocada a preparar la colección que mostrará en el Mercedes Benz Fashion Week Chile de octubre, donde expondrá 20 sombreros y vestidos que ese mismo mes llevará a Japón y Corea.

duende-capitalista

“La chilena que imagino es una mujer que va acorazada, aunque por dentro es muy delicada. Una mujer fuerte y protectora, que a la vez tiene un espíritu y un corazón libre y alegre”.

rosarioriveros

 

Sebastián del Real 

“No se trata de mí”

@sebastiandelrealossa

Su trabajo se inspira en una imagen femenina, elegante y sofisticada, brillante y moderna, clásica y romántica, delicada, alegre y liviana. Sebastián del Real (37) se esmera en destacar el cuerpo de la mujer con giros actuales y contemporáneos.  

En 2005 comenzó a diseñar vestuario demi-couture para clientas particulares y proyectos independientes, hasta que a comienzos de esta década lanzó su primera colección prêt-à-porter dirigida a todo público, iniciando una nueva etapa que lo ha llevado a presentar una colección por temporada, distribuidas a través de tiendas de diseño nacional como Hall Central, Cazadora y Porquetevistes. Su rango de colaboraciones abarca  también desde importantes marcas del retail masivo hasta obras del Ballet Nacional Chileno como “Simulacro de Alta Costura” (2012).  Ha mostrado sus creaciones en México y en eventos tan importantes como el Who’s Next fashion trade de París, donde si bien recibió propuestas de exportarse, siente que todavía no es el momento. Su prioridad por ahora es desarrollar su marca, que aunque tiene nombre propio habla de la mujer que viste Sebastián y no de él mismo. “Eso es algo que siempre he tratado de dejar en claro con mis colecciones.  Para mí no se trata de uno mismo sino de un producto, de un estilo de ropa, de una historia, de una fantasía, de una temporada… de eso se trata mi marca”.

sebsatian-del-real

“La mujer chilena que imagino cuando diseño tiene varias cosas: algo muy dulce, muy acogedor y maternal. También algo muy moderno, que yo trato de incorporar en mis diseños, incluso en los más clásicos, a través de detalles como el lazo. Pero también amo el kitsch y el pop y la línea de mi trabajo conversa bastante con esos elementos”.

ilustracion-sebsatian-del-real

Cristián González (Sr. González) Prototipo ‘ñoño’ y bonachón

@srgonzalez

Tenía 31 años cuando entró a estudiar Técnico en Diseño de Vestuario en el AIEP, hoy ya cumplió 40 y Cristián González es uno de los pocos profesionales chilenos dedicados al diseño de ropa para hombres. Fue mientras todavía estudiaba que concibió su marca Sr. González, orientada en un principio al vestuario femenino, pero durante una estadía en Estados Unidos decidió reenfocarla al diseño de prendas para el mercado masculino. 

En 2014 terminó su primera colección y la positiva respuesta lo posicionó rápidamente como uno de los nombres destacados de la escena local. 

Su esencia es ofrecer prendas holgadas y cómodas, con elementos de diseño que las desmarquen del resto sin llegar a limitar un uso cotidiano. Las corbatas y los trajes, se intuye, no son parte de esa esencia y así lo confirma Cristián. La música es una de sus  referencias más inmediatas: “Escucho a Björk desde que tenía 14 años y no es poca la gente que, por conocerla a ella también, adivina en algunas de mis prendas esa influencia”. 

Sus colecciones no son muy grandes, pero cumple con la regularidad estacional de presentar al menos dos por año. Y reconoce que la de verano le cuesta un poco más.“Personalmente soy más de volúmenes, de acolchados, de ropa grande, de abrigos y de capas sobre capas, que son casi la antítesis de las prendas de verano. Pero después de nueve colecciones de Sr. González presentadas, ya estamos dominando mejor las especificidades de la temporada estival…”, remata con una sonrisa.

cristian-gonzalez

“El hombre que imagino cuando diseño es seguro de sí mismo y busca desmarcarse de la masa. Tiene estatura promedio y no necesariamente cumple los cánones clásicos de belleza masculina. Es curvilíneo, con algo de panza, un poco ñoño y bonachón”.

bocetosr.gonzale

 

Mariano Breccia y Mechi Martínez

Recuerdos del futuro

@12nastore

12NA (léase “docena”) es una plataforma creativa desarrollada a partir de 2004 por los artistas textiles Mariano Breccia y Mechi Martínez, una pareja de argentinos radicados en Chile desde 2005 y en Valparaíso desde 2012. Trabajan en formatos muy diversos que abarcan desde el diseño de vestuario como eje principal, hasta instalaciones, formatos audiovisuales, talleres e intervenciones urbanas. En el centro de su industriosa creatividad está el reciclaje, especialmente de ropa y otros textiles, como medio de expresión artística y respuesta al imperativo contemporáneo de la sustentabilidad. 

El reciclaje textil que proponen se apareja con la exploración del diseño de autor, desconstruyendo lo viejo para producir algo nuevo (upcycling). Capitalizan el mercado del desecho, lo relegado por la moda o por sus dueños, convirtiéndolo en materia prima de prendas donde coexisten lo nuevo y lo viejo, transfiguradas en una propuesta contemporánea y sostenible. 

Además de sus clientes nacionales y de una legión de seguidores en Japón, 12NA ha ido consiguiendo una difusión cada vez más amplia en circuitos internacionales de la moda e incluso en círculos académicos del diseño y el emprendimiento sustentable. Este mes, la dupla tomará parte en Super Talents, una curatoría de diseñadores provenientes de distintas partes del mundo, organizada en Milán por la edición italiana de la revista Vogue Italia en el marco del evento PITTI Immagine. 

docena

“Este tapiz es una de las piezas de una muestra de arte colaborativo y upcycling titulada ‘NAKAMA la leyenda de ñ’, hecha con retazos de la ropa que reciclamos para la colección que presentamos el año pasado en el Santiago Fashion Week. Por nuestro método de diseño no hacemos figurines de moda, pero este trabajo resume muy bien el espíritu de la mujer que imaginamos como clienta: una mujer valiente, conectada con sus orígenes, consciente de sus miedos y sus monstruos, empoderada con su hacer y creatividad”.

Boceto-12NA-(Breccia-y-Martínez)

Daniel Bagnara

Camino al prêt-à-porter

@bagnaramena

Diseñador, director de arte y realizador de artes escénicas, todavía no era un veinteañero cuando Daniel (35) comenzó a desarrollar trabajos para montajes de teatro y danza contemporánea. Y desde más temprano aún inició sus estudios formales relacionados con el arte, puntualmente en el Liceo Experimental Artístico desde los 10 años. 

Su papá ha trabajado toda su vida en el área de la confección, por lo que es la industria textil ha estado siempre muy presente en su vida. Su trayecto creativo lo vincula muy estrechamente a las artes escénicas, pero siempre hay un factor detonante del cambio y en su caso, la creación de colecciones lo atrapó luego de participar, con mucho éxito, en el Santiago Fashion Week de abril pasado: “Sentía la necesidad de dar un giro después de tantos años trabajando en las artes escénicas. Siempre había tenido la curiosidad de incursionar en una pasarela”. 

Sus referentes abarcan desde Alexander McQueen hasta el K-Pop y como vive en la Plaza de Armas, siempre se está metiendo en las nuevas tiendas chinas que venden de todo, a ver con qué se encuentra y qué le llama la atención: “Quizás por eso mis diseños pueden ser como algo alternativo o un poco más de avanzada, porque salen de esa realidad un poco paralela”, comenta, sin dejar de señalar que poco a poco está direccionando el trabajo con su marca BG hacia el prêt-à-porter.

daniel

“Visualizo y agradezco el observar a una mujer chilena cada día más empoderada, independiente y con objetivos, dueña de su propio camino, luchando por alcanzar espacios propios, desvinculándose de la estigmatización social respecto al cuerpo, al género y al deber ser. Todos tenemos el derecho de descubrir nuestros espacios y decidir dónde pertenecer”.

boceto-Daniel-Bagnara

Lupe Gajardo

Adiós glamour hollywoodense

@lupegajargo

El atelier de Miguel Ángel Guzmán, Lupe Gajardo (31) se mantuvo trabajando junto al destacado diseñador, hasta que llegó un punto en que sintió que ya había aprendido lo suficiente. Recién cumplía 20 años, era bien matea y trabajaba mucho: “Estaba decidida a crear mi marca, pero pronto me di cuenta de que en realidad aún no había aprendido nada”.

Exagera por supuesto. Tenía muchas ideas y gracias a su determinación, de ahí en adelante las cosas avanzaron muy rápido. En 2012 participó en un showroom de la Semana de la Moda en Berlín, y ya con varios desfiles a nivel local en su bitácora, el siguiente hito internacional se produjo en 2015, cuando estuvo en la Fashion Week de Nueva York. 

En 2017 estuvo en el International Fashion Showcase de Londres durante la Semana de la Moda y, en los últimos tres años, en Chile ha presentado desfiles propios que ella misma califica de “grandes eventos” . 

Hoy se encuentra preparando lo que será su desfile en la Mercedes Benz Fashion Week de Santiago, la segunda semana de octubre. Y para fines del próximo año, cuando su marca cumpla diez años, anuncia “un gran cambio” que misteriosamente no puede anticipar, pero que, avisa, significará un salto “cualitativo” para el modelo de negocio de la marca Lupe Gajardo.    

Ante la pregunta sobre si existe algo así como una “generación actual” de diseñadores chilenos, Lupe Gajardo está convencida de que sí: “Hasta poco antes la moda en Chile seguía pegada en un glamour hollywoodense de otra época, pero en los últimos años las propuestas nacionales se han diversificado, volviéndose más globales y mucho, pero mucho más contemporáneas”.

lupe

“Cuando diseño para las colecciones imagino personajes ficticios, de fantasía, surrealistas. Cuando diseño para una clienta, el proceso es distinto y lo que intento es descubrir detalles que revelen su esencia más allá de lo que ella misma me diga. Este dibujo corresponde a un boceto descartado de la colección otoño invierno 2016. Es un conjunto de camisa y traje sin mangas en lana cuadrillé. La técnica es lápiz mina y acrílico negro”.

boceto-breccia-martinez