Detrás de la fastuosa construcción hay una historia familiar que traspasa fronteras. La argentina Josefina de Alvear y el diplomático chileno Matías Errázuriz Ortúzar se casaron en la catedral de Buenos Aires en 1897. Ambas familias de origen español habían llegado a América en el siglo XVIII. Los Errázuriz se establecieron en Chile y los Alvear en Argentina, y ambos tuvieron una destacada actuación en el ámbito político y social.

Entre 1906 y 1916, Josefina, Matías y sus dos hijos residieron en Francia debido a misiones diplomáticas asignadas al padre. Durante esos años se proyectó y construyó la mansión, obra de los arquitectos argentinos Eduardo Lanús y Pablo Hary. De regreso en Buenos Aires, el 18 de septiembre de 1918 la familia inauguró el recinto con una gran fiesta, transformándose así en centro de una intensa vida social por más de veinte años.

Josefina de Alvear murió en 1935. Su marido e hijos ofrecieron al Estado argentino la posibilidad de comprar la casa junto con la colección de arte, para crear un museo. El 18 de diciembre de 1937 se abrió el Museo Nacional de Arte Decorativo.

Hoy exhibe obras de El Greco, Fragonard, Corot, Manet, Boudin y Fantin Latour. Su aspecto externo es sobrio e imponente, inspirado en el neoclasicismo del siglo XVIII, y su patrimonio incluye porcelanas, cerámicas, orfebrería, tapices, alfombras, vidrios, pinturas, esculturas y muebles europeos y orientales de los siglos XIV al XX.

La Candelaria, Murano y Carrara en Buenos Aires

A 115 kilómetros de Buenos Aires, don Orestes Piñeiro, de profesión farmacéutico, compró en 1840 los primeros terrenos de esta gran propiedad. Cinco décadas después le agregó ocho mil hectáreas y estableció la estancia La Candelaria, denominada así en honor a su mujer. Ante la imposibilidad de tener descendencia, el matrimonio adoptó a una niña, Rebeca, cuyo marido, Manuel Fraga, administró por años la propiedad. En sus continuos viajes a Europa, la familia quedó encantada con los castillos, especialmente uno en la región del Loira. Decidido a tener el propio en estas pampas, Fraga se lo encargó al arquitecto francés Alberto Favre, que comenzó a construirlo a finales del siglo XIX. Con torres normandas de techos de mansardas, el pórtico gótico y el barroco en las ventanas, este castillo ecléctico no alcanzó a ser visto en su totalidad por su suegro ni por doña Candelaria.

Los bosques que lo rodean ocupan 245 hectáreas y el parque fue diseñado por el famoso paisajista Carlos Thays, quien lo pobló de estatuas, glorietas, fuentes y las más diversas especies arbóreas. En el jardín se encuentra la capilla construida en 1937 con torre, techo nórdico y ventanas góticas.

En el interior, el castillo de 1.200 metros cuadrados deslumbra por la suntuosidad de sus ambientes: los pisos brillan desde la madera y el mármol, con guardas de mayólicas. Un gran gobelino holandés cubre la pared de la escalera que lleva al primer piso. En el hall de entrada vemos muebles orientales, una imponente estufa hogar de mármol de Carrara y una lámpara de cristal de Murano. La biblioteca gótica tiene muebles tallados en guindo de más de 300 años.

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Situado en la provincia de Barcelona, entre los siglos XI y XV fue habitado por los señores de Cardona, la familia más rica después del rey. La fortaleza fue, además, el último bastión en rendirse a las tropas del rey Felipe V —enemigo de los catalanes— en la Guerra de Sucesión española y sirvió de prisión para los opositores de Franco. Hasta Hollywood lo usó de escenario en la película de Orson Welles, Campanadas a medianoche.

Punto obligado de visita es la Sala Dorada, la Sala dels Entresols (entresuelos) y, sobre todo, la Torre de la Minyona (criada), una espectacular atalaya de 15 metros de altura y diez de diámetro. Cuenta la leyenda que una doncella fue confinada hasta el fin de sus días en esta torre tras conocerse su relación con un joven musulmán.

Convertido hoy en hotel, está considerado como uno de los diez mejores castillos de Europa donde alojarse según TripAdvisor, la principal web de viajeros en internet. Sus habitaciones mezclan servicios modernos con una decoración de corte medieval en la que no faltan camas con dosel o techos abovedados. La cocina ofrece recetas de larga tradición catalana como la terrina de berenjenas con manitas de cerdo, la paletilla de cordero a la brasa, las setas —muy presentes en esas tierras— y platos más originales como el pollo con cigalas y los pescados mediterráneos regados con Cava.

Xàtiva Una leyenda tras los muros

Desde el hombre de Neanderthal hasta los musulmanes, pasando por los íberos, cartaginenses, romanos y visigodos, todos se aprovecharon de la privilegiada situación estratégica que ofrece la ciudad de Xàtiva. Situada al sur de la provincia de Valencia y cuna de la familia papal Borgia, fue un punto clave de la Vía Augusta —calzada romana que unía Roma con Cádiz— y en la defensa del reino de Valencia.

El castillo, cuyos primeros asentamientos son de origen ibérico, fue por siglos una de las mayores fortalezas de la península. Extendido a lo largo de la sierra de Vernissa, estaba protegido por los desfiladeros de la propia montaña y por las murallas que rodeaban la ciudad.

Cuenta la leyenda que la mujer de Aníbal, Himilce, quedó maravillada de las vistas que se divisaban desde los balcones y algunos escritos afirman incluso que fue entre los muros del castillo donde tuvo al primer hijo del cartaginense.

En el siglo XVI, ya en manos cristianas después de más de 500 años de ocupación musulmana, se convirtió en prisión oficial de la Corona de Aragón.

Destruido en gran parte por un terremoto en el siglo XVIII, la construcción se divide en dos partes. El llamado Castillo Menor (de la época íbera) y el Castillo Mayor (de la época romana), ambos comunicados a través de una muralla central, que siglos más tarde albergaría la plaza de armas. En la parte más alta del segundo se encuentran la capilla de estilo gótico y la prisión.

El actual propietario (Carlos Sarthou, empresario de la zona) levantó en la parte central una casa de estilo neogótico donde hoy se celebran matrimonios civiles. La construcción principal, por su parte, cuenta con un restorán en el que se pueden probar platos típicos de la comarca. En julio el lugar también acoge un festival nocturno de música al aire libre.

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Las salas del Renacimiento, únicas en Francia, han conservado su impresionante decoración de frescos y estucos de grandes artistas italianos como Rosso y Primatice, que datan de los reinados de Francisco I y Enrique II. Las habitaciones de los reyes evocan el lujo de la corte de Francia: las antecámaras, salones, salas de recepción. Extraordinaria es la Habitación de la Emperatriz, por la que pasaron varias reinas, entre ellas María Antonieta, la más caprichosa, quien creó su propia sala de juegos.

Las galerías son tan grandes y casi tan hermosas como las de Versalles. La de Francisco I es una de las más sorprendentes, va formando un juego de filas rítmico gracias a las aberturas simétricas y a los grandes dibujos.

Napoleón revivió Fontainebleau en 1804; trajo su corte y habilitó 40 departamentos, incluyendo la Habitación Imperial. Dos noches por semana había espectáculos de ópera y teatro. El castillo era también un lugar de decisión política, como lo muestran el Salón del Trono y la Biblioteca del Emperador, en la cual recibió al Papa Pío VII el 20 de junio de 1812, quien se quedaría encerrado durante diecinueve meses para que firmara, bajo presión, el Convenio de Fontainebleau.
Napoleón abdicó aquí antes de ser exiliado.

Vaux le Vicomte Cuna del hombre de la máscara de hierro

Situado en la comuna de Maicy (Seine et Marne) a 50 kilómetros de París, Vaux le Vicomte es un castillo del siglo XVII, construido por el subintendente de Finanzas de Luis XIV, Nicolás Fouquet. La innovación fue su sello, ya que incluía departamentos independientes, ofreciendo una intimidad inexistente hasta la época. La decoración de Charles Le Brun privilegió la pintura y los estucos para dar sensación de relieves.

En la planta baja, la Habitación de las Musas incluye frescos y tapicerías que representan a estas míticas mujeres. Impresionan los revestimientos, inmensos gobelinos y largas lámparas de lágrimas. Siguiendo por el mismo piso se ubica la Pieza del Rey, usada en algunas ocasiones por Luis XIV.

En el primer piso se encuentra la habitación de Nicolás Fouquet, uno de los únicos espacios que conserva su decoración original, con su llamativa cama roja en medio, rodeada por cortinas del mismo color. Continuando por ese nivel están los departamentos de madame Fouquet, con decoración simple, muy diferente a otras zonas del castillo.

El parque es un sector muy importante: fue ahí donde se crearon los primeros jardines ‘a la francesa’ gracias a Le Nôtre, quien impuso simetría y orden a la naturaleza. Creó un parterre de bordados replicado en Versalles y en todas las grandes cortes europeas. Introdujo la variación de las proporciones para así jugar con la perspectiva, encogiendo las distancias a los ojos del paseante para crear una ilusión óptica.

Hoy, Vaux le Vicomte es monumento histórico, después de que en 1875 fue comprado por Alfred Sommier, riquísimo hombre de la industria azucarera, quien restauró el lugar para sus descendientes. Actualmente el propietario es su nieto, el conde Patrice de Vogüé.

Pero este lugar es también célebre por una historia de celos, dinero e intrigas. En agosto de 1661, para celebrar el fin de los trabajos del castillo, Fouquet realizó una grandiosa fiesta con tres mil invitados. Poco tiempo después, Luis XIV, celoso de la magnificencia de la construcción, mandó encarcelar a Fouquet, quien murió en la cárcel dejando una leyenda: él sería el famoso ‘hombre tras la máscara de hierro’. Para borrar cualquier rastro del pasado de este enigmático personaje, tras su muerte todos sus bienes personales fueron destruidos. Numerosos rumores circulan sobre la identidad del prisionero: ¿era acaso hijo del rey?

Villeiers-le-Mahieu Amor maldito

Fue el Marqués de Attily quien lo reconstruyó en 1642 sobre las ruinas de una fortificación del siglo XIII. Luego comenzaron a sucederse varios propietarios hasta que el conde Charles de Rohan Chabot lo restauró para darle al lugar el aspecto que tiene ahora: un hotel cinco estrellas.

Una majestuosa reja de hierro forjado recibe a los visitantes. Detrás se extiende un camino bordeado de alamedas que llevan a la entrada de la fortificación.

Hoy este hotel de lujo cuenta con 95 habitaciones unidas a la perfección con el encanto de la vieja nave. La decoración de cada pieza es única y en conjunto presentan una variedad de estilos que encajan sin chocar: de la opulencia de una habitación de época a un spa contemporáneo de arquitectura minimalista, hasta un pequeño salón a la inglesa.

Antes de ser hotel, este dominio era conocido porque allí vivía Bernard Buffet (1928-1999), uno de los pintores franceses más famosos del siglo XX. Célebre pero incomprendido, fue un personaje muy observado por los medios debido a su vida privada, siempre un poco turbulenta. Adorado a los 20 años, cuando ganó el premio de la crítica, en esa misma época se casó pero no duró mucho… Se separó cuando conoció a Pierre Bergé, quien unos años más tarde sería la eterna pareja del diseñador Yves-Saint Laurent.

Con Bergé vivió una pasión recíproca de ocho años. Paseaban en Rolls Royce mientras él vivía y trabajaba en las afueras de París, en Villiers-le-Mahieu. En 1958 asistieron juntos a la primera colección de Yves Saint Laurent para Dior. Poco después Buffet y Bergé se separaron y el pintor volvió a enamorarse de una mujer, con la que se quedó hasta el final de su vida.

Buffet vivió en el castillo hasta 1979. En 1980 Jean-Luc Chaufour tomó el château y partió trabajos de restauración titánicos para convertirlo totalmente.

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Una hora y media de viaje en tren y quince minutos en bus bastan para acceder a este lugar poblado de muebles de cedro y roble, y paredes cubiertas con tapices de seda. Un fuerte toque femenino se observa en lo fino y detallado de la decoración, porque durante 150 años el castillo fue habitado principalmente por mujeres solas. Viudas. Seis reinas de Inglaterra se trasladaron hasta ahí para vivir el duelo al lado de sus cortesanas. La tradición de luto se rompió con la llegada de la reina Catalina de Aragón, primera mujer del rey Enrique VIII, quien hizo de éste un segundo hogar o refugio para no observar los múltiples deslices de su marido…

Tal y como se conoce ahora está lejos de los caprichos reales. La estadounidense Olive Baillie —más conocida como Lady Baillie— lo adquirió en 1926 para convertirlo en lugar de veraneo digno de compartir con sus amigos, los actores Charles Chaplin, Errol Flynn, Robert Taylor y el escritor Ian Fleming, quienes la visitaban con frecuencia.

Queriendo hacer de ésta la casa soñada, contrató a los mejores arquitectos y diseñadores franceses de la época, como el famoso Armand-Albert Rateau. Para decorar los interiores, se dedicó a viajar por Europa en busca de antigüedades únicas. Las alfombras son una obra de arte.

Para agradar a sus huéspedes adaptó una sala de cine e instaló una piscina. En un pequeño trozo de sus doscientas hectáreas de jardín construyó canchas de tenis y squash, además de un aviario que todavía puede visitarse.

Después de nueve siglos de transformaciones, el Castillo de Leeds es hoy una mezcla de épocas y gustos: tiene bases normandas, puerta medieval y muebles del siglo XX. También es un catálogo de anécdotas donde figuran grandes personajes del cine mundial y la música.

Thornbury, lujo artesano

Una escalera de caracol conduce hasta la cima de la torre del castillo Thornbury, en el condado de Gloucestershire, cerca de Bristol. En lo más alto de la fortaleza de piedra se encuentra una de las piezas de hotel más lujosas del país. La cama es gigantesca —mide tres metros de ancho— y las cubiertas son de seda pura. Tiene su propia chimenea y desde las ventanas se observan los viñedos que hace casi cinco siglos producen el vino que se consume al interior de este sitio construido en 1511. Thornbury es el único castillo Tudor que ha sido adaptado como hotel, y sus huéspedes deben pagar entre 400 y mil dólares la noche (hasta 550 mil pesos). Precio que se justifica si se trata de seguir los pasos del propio Enrique VIII y de Ana Bolena, que cuando lo visitaron en 1535 no pudieron sino alargar la estada y quedarse dos semanas en lugar de un día.

El castillo fue seriamente dañado durante la Guerra Civil (1642-1649). Sin embargo, todas las habitaciones han recuperado la atmósfera de los siglos XVII y XVIII con sus paredes de piedra, tapices de seda, chimeneas, techos de madera tallada y camas de cuatro postes, dosel y corona. Esto, gracias al trabajo realizado desde principios de los ’80 por el artesano Stephen Edgar, historiador de muebles y textiles que elaboró todo el mobiliario de roble usando las técnicas más tradicionales y antiguas. Desde uno de sus talleres en Kidwelly, Gales, Edgar habla de la cama Enrique VIII, su comisión más reciente para Thornbury. La hizo de cuatro postes y con cortinas de terciopelo verde que llevan detalles de oro, a mano y con total cuidado por los detalles. Stephen también es responsable de gran parte del revestimiento de los muros de roble que se observa en los salones, sobre todo en el vestíbulo y en la suite Portlethen.

Arundel castilloFamiliar

La mesa está en el Salón del Barón. Ahí, bajo un techo de roble tallado, decenas de hombres y mujeres vestidos de gala se disponen a comer a la luz de los reflectores. Es la filmación de la cinta The Young Victoria, en el Castillo de Arundel.

Ubicado en el oeste de Sussex, a hora y media de Londres, esta construcción medieval tiene los interiores más fabulosos y mejor conservados del país. Desde el siglo XI está en manos de la familia del Duque de Norfolk, que continúa habitándolo.

Recorrerlo es toda una aventura. Los paneles de madera tallada y los muebles Mahogany de estilo gótico se observan por todos lados. Incluso en la planta baja, donde la mayoría de los muros son de piedra finamente pulida y hay un salón de armaduras, espadas y armas de fuego. Una gran escalera conduce a las habitaciones de huéspedes. Dos tapetes gobelinos sirven de preámbulo a la suntuosidad de los cuartos del nivel superior.

La Sala York es la principal y reúne tres grandes piezas de mobiliario: un ropero de marquetería de 1744, una cómoda estilo francés Luis XVI y una repisa rococó. Las habitaciones Lancaster y Windsor destacan por el despliegue de muebles originales del siglo XVIII, y la Pieza Victoria recibió la visita de esa reina en 1846.

Si bien la mayoría de los salones han sido redecorados, todavía se conservan tesoros de antaño. La pequeña Sala de Recreo, por ejemplo, fue refaccionada en 1997 por el famoso David Mlinaric, pero sigue presentando los tres paisajes comisionados por la familia a Canaletto, en 1750. Lo mismo sucede con el salón antesala de la biblioteca, redecorado en 2006, manteniendo en su lugar los tres retratos de Van Dyck para la familia Norfolk.

En términos de la propia Sarah, nuestra guía por el castillo, Arundel es muestra de que los diseñadores contemporáneos no están peleados con el pasado. Eso se observa claramente en los seis cuartos de visitas, remodelados por la actual duquesa con el apoyo de diseñadores como Edmund Bulmer, quien, reutilizando colores y textiles de los años victorianos, ha logrado que el castillo siga siendo centro de atracción.

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Propuestas que combaten temperaturas polares y entregan vanguardia en tres ambientes fundamentales: dormitorio, cocina y baño.

Agradecimientos Tienda Atika, taller de pintura y escultura Matías Vergara

Cuando se trata de presentar una colección, Lagerfeld no escatima en pompa. En la región de Pudong mostró su creación más inspirada: Chanel-Shanghai 2010, con los neones que iluminan el río Huangpu como telón de fondo. El mercado del lujo llegó a China para quedarse.

Sólo el diseñador podría haber reunido en un mismo lugar a policías de la República Popular con estrafalarios magnates, estrellas estilo Vanessa Paradis y editoras de revistas como Vogue Paris, todo en una nación ‘comunista’ donde, paradójicamente, las tiendas de elite esperan vender 12 billones de dólares este año.

Como preludio, Karl muestra su película Paris-Shanghai, a fantasy, que él escribió y dirigió, basada en un viaje imaginario de Coco Chanel por China. Allí cambia la típica chaqueta que le dio fama mundial por una estilo Mao en la década del ’60, desatando las risotadas del elegante público chino convocado al estreno. En otras escenas, la mítica Coco recorre nightclubs y salas de juego clandestinas junto a Wallis Simpson y Marlene Dietrich.

El desfile en Shanghai es un giro a un concepto que el diseñador ideó el 2002 y que intenta rescatar antiguos oficios y talleres de arte típicamente franceses: la metalería de Desrues, el arte plumario de Lemarié, los bordados de Lesage, el calzado de Massaro, los sombreros para mujer de Michel, la orfebrería de Goossens y los arreglos de flores de Guillet. Cada año elige uno para dedicarle una colección, que además presenta en una ciudad que dejará huella.

Esta vez Lagerfeld quiso internacionalizar su propuesta y destacar elementos de la imaginería oriental. El Ejército de Terracota, el romanticismo urbano del cine chino, el brillo de la década de los ‘30 y la opulencia de la corte imperial están presentes en la pasarela que parte en una espectacular barcaza en medio del río. Mangas que aluden a las pagodas, cinturas ajustadas, pliegues superpuestos, cuellos altos en negro, rojo, caqui y azul caracterizan esta colección. Los trajes de noche incluyen abrigos ajustados bordados, aplicaciones de punto, blusas y vestidos en lentejuelas.

Para esta producción, no hubo restricciones: la barcaza medía 85 metros y pesaba 500 toneladas, en ella trabajaron 150 personas durante treinta días y se usaron tres remolcadores para trasladarla. Al escenario, de seis metros de alto y con 180 reflectores, subieron treinta modelos preparadas por trece estilistas y 23 maquilladores, que fueron vistas por más de mil invitados.

Pero, ¿por qué Shanghai? Porque ahí abrió sus puertas la tercera sede de Chanel en China. Ciudad cosmopolita y futurista, simboliza el poderío de Oriente en la economía mundial de nuestro siglo. En menos de 48 horas se agotaron las carteras rojas que Lagerfeld diseñó para Shanghai, edición limitada de 28.800 yuanes cada pieza (2.3 millones de pesos) en una urbe cuyo ingreso mensual promedio por habitante no sobrepasa los 200 mil pesos y un país que no logra erradicar la esclavitud infantil. La fiebre por el consumo, sin embargo, no se detiene ahí. En el último año, Lanvin y Valentino abrieron boutiques en uno de los brillantes malls del downtown, mientras que Prada y Armani trasladarán sus tiendas al ondero hotel Península, junto a Chanel.

Son los contrastes de Oriente que el ojo crítico de Lagerfeld jamás dejaría escapar. O, tal vez, es precisamente aquello lo que nos quiere mostrar.

Nijo
Hogar del shogún
Es un conjunto de dos fortificaciones: el Palacio Ninomaru y el Honmaru. Representa el poder de los shogunes (militares) pues fue uno de ellos, Tokugawa Ieyasu, quien lo mandó construir en 1601. Como sucede con la mayoría de los castillos japoneses, éste no es el original. La parte central fue golpeada por un rayo y se quemó por completo en 1750; en 1788 el palacio interior fue destruido por un incendio. Prácticamente quedó abandonado hasta 1893. Actualmente, Ninomaru (el más impresionante) está construido principalmente de ciprés Hinoki.

Himeji
La garza blanca
Construido en madera y revestido en cal, su imagen resulta familiar porque hasta James Bond lo incluyó en su quinta película. Y si ya la construcción de castillos estaba limitada en el Japón antiguo (uno por reino), fue un milagro que éste además se librara de los bombardeos de la Segunda Guerra Mundial.

Localizado en la ciudad costera de Himeji, a unos 47 kilómetros al oeste de Kobe, es una de las estructuras más antiguas del Japón medieval. Designado Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en 1993 y ‘tesoro nacional’, junto con los de Matsumoto y Kumamoto conforma los Tres Famosos Castillos de Japón.

Fue concebido y construido en el período Muromachi (1336-1573). En 1346, el shugo (guardián) Akamatsu Sadanori planeó la construcción de un palacio en la base del monte Himeji. Luego de que su clan fue derrotado en la Guerra Kakitsu, éste les fue arrebatado por un tiempo. En 1580, el daimyó (gran nombre) Toyotomi Hideyoshi tomó control del edificio y encargó construir una torre de tres plantas. En 1601 se realizó un proyecto de expansión que duró ocho años y transformó al castillo a su actual forma.

Uno de los elementos defensivos más importantes de Himeji es el confuso laberinto con tres fosos y diversos caminos que conducían a la torre principal. A diferencia de los europeos, este castillo posee un complejo de puertas, muros y murallas que tenían por objetivo confundir a las fuerzas invasoras y atacarlas de manera rápida y eficiente.

Diversas leyendas lo rodean: una de ellas cuenta que fue hogar de diversos yokai, espíritus de nipones como el malévolo oni, el travieso kitsune o la terrorífica mujer pálida Yuki-onna.

En sus afueras destaca el precioso Jardín Kokoen. Aunque de construcción reciente (1992), sigue las pautas típicamente feudales. Consta de nueve jardines separados, diseñados cada uno en un estilo concreto. Está la residencia principal, con un estanque y una cascada; hay bosque de pinos, jardín de bambú, otro de té y uno de flores.

Kumamoto
El último samurái
Este castillo tiene una historia notable: en 1877 se celebró ahí la última revuelta samurái. Gran parte de la estructura fue destruida por el fuego tras un asedio de 53 días. Pasó más de cien años en ruinas, pero recientemente se restauró.

Aunque su donjon (parte central) es una reconstrucción de cemento que data de 1960, muchos edificios auxiliares de madera siguen siendo los originales. El interior de las torres es ahora un museo que ofrece bellísimos ejemplos arquitectónicos de la época. También refleja su avanzado diseño con muros inclinados hacia adentro y enormes techos, pensados para la defensa. Su estilo de construcción se denomina Renkaku, con una nave central rodeada por las demás dependencias.

Cerca de él, en el Parque San-no-Maru, se encuentra el Hosokawa Gyobu-tei, mansión tradicional de madera con un espectacular jardín japonés de estilo Momoyama.

Ubicado en la ciudad del mismo nombre, el castillo fue construido en 1607 por orden del guerrero Kato Kiyomasa y cincuenta años después pasó al clan Hosokawa, que controlaría la zona por 200 años hasta el fin de la época feudal.

Terminando el siglo XIX, los cambios abruptos y masivos en la cultura japonesa —como el uso de vestimenta occidental o la prohibición de portar katana en la vía pública— tenían muy molestos a los samuráis. Saigó Takamori, uno de los líderes más viejos, se retiró a sus dominios, donde estableció academias de guerra. El 12 de febrero de 1877 anunció su intención de marchar a Tokio para entrevistarse con el emperador. Doce días después, la armada principal atacó el castillo en un movimiento con pinzas. Un choque frontal dejó a Saigó herido de muerte. Sus seguidores aseguran que uno de ellos, Beppu Shinsuke, lo ayudó a hacer el harakiri (suicidio con daga) antes que fuera capturado. Saigó Takamori fue etiquetado como “héroe trágico” y el emperador Meiji lo perdonó post-mortem en 1891.

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La invitación era clara: Paco Rabanne lanzaría una nueva fragancia femenina, la primera desde 2006 cuando presentó Black XS for Her. París es la ciudad elegida. Al llegar a la cita, la ambientación es completamente negra, a cada lado de una pasarela central están los vestidos dorados más llamativos de la historia del diseñador. Al fondo, una gran bóveda áurea, que al abrirse nos lleva a descubrir Lady Million, el perfume que nos convoca y que llegará a Europa en julio y a Chile en septiembre.

El 3D es la tendencia actual. Nos pasan los anteojos, se apagan las luces y desde una pantalla se nos vienen encima vestidos metálicos, brillos, puro estilo. Entonces surge la imagen ícono, un diamante dorado en homenaje al célebre Régent, esa piedra preciosa que está en el Museo del Louvre, y que es considerado el diamante más bello del mundo. Para encarnar a esta fragancia descarada, extravagante y seductora fue elegida Dree Hemingway, 22 años, estrella ascendente del modelaje, que ha trabajado junto a Jean-Paul Gaultier, Valentino y Gianfranco Ferré. Además, es la mismísima bisnieta del escritor Ernest Hemingway.

Al día siguiente, tuvimos la oportunidad de otro gran encuentro. En un ambiente diferente, más distendido y relajado, el mítico y excéntrico monsieur Rabanne habló con CARAS. La cita es a mitad de la lujosa calle Saint Honoré, en la que se encuentran todas las grandes marcas. En un luminoso lugar, donde los rayos de luz entran por el techo nos espera un tranquilo Paco Rabanne, vestido completamente de negro y camisa cuello mao, que le da un aire místico. Modisto, perfumista, escritor, pintor y visionario. Con sus 76 años, bien llevados, nos recibe con una sonrisa.

El primer perfume de Paco Rabanne fue Calandre (1969), en una época en que pocos modistos se atrevían a diversificar sus marcas. Rabanne confiesa con desparpajo: “Todo comenzó como una aventura en París y como resultó tan bien… continuamos”.

—¿Cómo se crea un perfume de éxito?
—Un hombre que se llamaba Amic y que trabajaba en Grasse (capital de la perfumería mundial) en el sur de Francia, me enseñó qué eran, cuáles los ingredientes y qué elementos lo formaban. Además, por suerte tengo una buena nariz y me gustan mucho los aromas. Un día comí con el viejo monsieur Guerlain. Se acercó a mí y me dijo: Señor Rabanne, ¿sabe usted por qué sus perfumes tienen tanto éxito? Le contesté que no sabía y él a sus 80 años, me sorprendió: ¡porque sus perfumes huelen bien! (lanza una enorme carcajada). Eso es lo importante finalmente. Lady Million tiene un olor muy agradable. Me gusta porque empieza con algo fresco, casi medio inglés, y luego suelta el patchouli y los taninos.

—¿Qué tiene Lady Million de usted?
—1 million y Lady Million son muy coherentes. En el estilo, la moda que se utilizó en los dos. Para mí la coherencia es muy importante.

Arquitecto de formación, Paco Rabanne rompió con todas las tradiciones cuando usó materiales poco habituales en la moda. Sus creaciones tienen un estilo futurista y un aire atemporal. Inolvidables son los doce vestidos imponibles de su primera colección en 1966. Míticos son los de metal y de rhodoid, hechos con pequeñas piezas ensambladas por anillos. Incluso creó un molde para hacer vestidos sin costuras. Fue un ícono en los ’60 y Brigitte Bardot y Audrey Hepburn vistieron sus creaciones.

—Usted estudió arquitectura, ¿cómo empezó a diseñar?
—Soy arquitecto del Bellas Artes de París. Comencé haciendo alhajas, botones, encajes, bordados para ganar más dinero porque no tenía contactos (en ese tiempo) para trabajar en mi profesión.

—¿De dónde surgió la idea de hacer esas cosas?
—Mirando el trabajo de los pintores y otros artistas como Julio le Parc, el argentino que usaba el aluminio y otros pedazos de metal en su arte. Yo hice la misma cosa, sólo que además utilicé el plástico. Hice una moda que correspondía a la pintura de esa época. Para mí la moda es un arte menor, por lo tanto, cuando la diseñamos debe estar en armonía con las artes mayores (la música, la arquitectura, la pintura y la escultura).

—Empezó a experimentar con el reciclaje antes de tiempo…
—Hace muchos años, con botellas de plástico, con basura inglesa, que estaba comprimida y cortada en pedazos. Hice cosas muy chic y elegantes.

—Sus creaciones son atemporales, aún hoy están a la moda.
—Lo que pasa es que no soy un hombre barroco. Siempre he seguido el cuerpo de la mujer. Mi madre, que trabajaba en la casa de Balenciaga, me decía: Hijo mío, tienes que ir lo más lejos posible de tu inteligencia, de tu imaginación, tienes todas las libertades, menos una, no tienes derecho a despreciar la belleza de una mujer.

—¿Qué piensa sobre el trabajo de los nuevos diseñadores?, ¿Le gustan sus propuestas?
—Tienen talento, pero es una época muy difícil… dentro de unos años cambiaremos de civilización. Habrá un crash, ¡2012 será terrible! La Tierra hará así (muestra con sus manos cómo el mundo se dará vuelta). Pero luego llegará la era de Acuario, la época de oro en la que según dice San Juan en el Apocalipsis: habrán dos mil años de felicidad.

—¿Cómo es su vida hoy?
—Ya no diseño, pero sí intervengo en los perfumes… sigo escribiendo, pintando. Vivo en Bretaña, donde llegué a los cuatro años, saliendo del País Vasco, San Sebastián. Ahora he vuelto a Bretaña a una pequeña casa de pescadores que está en las rocas, directamente sobre el mar, una maravilla, no hay polución, no hay ruido, los pájaros, el viento, el ruido del mar, uff… una maravilla.

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Apenas perceptible desde el aire o el mar, ya que está en la mitad del Pacífico, sus dimensiones todavía son objeto de estudio. Algunos sostienen que dobla el tamaño de Texas; otros, que equivale al territorio de Estados Unidos… Pero hay coincidencia sobre su contenido: toneladas de basura (que podrían llegar a 100 millones), desechos humanos lanzados al agua a lo largo de la historia que las mareas juntaron hasta formar una ‘isla’ flotante. Una mancha maldita. A ella se suman los despojos encontrados en los últimos años en playas antes paradisíacas del Pacífico. Y, en este último mes, el derrame de crudo por la explosión de una plataforma en el Golfo de México que, según los cálculos optimistas del gobierno norteamericano, alcanzaría a 76 millones de litros (extraoficialmente, se habla de 400 millones).

Si la mancha estuviera compuesta de restos orgánicos, otro gallo cantaría, pero el Parche de basura del Pacífico —como se le conoce internacionalmente— contiene básicamente plásticos y derivados que no se descomponen. Hechos a partir del petróleo, estos productos demoran cientos de años en degradarse (se estima que cada artículo que se ha fabricado alguna vez, aún permanece en el planeta). Un pañal desechable tardaría 500 años; una tira de seis pastillas, 400 años, y una botella plástica, 450. “Los plásticos existen hace menos de cien años —señala el blog verde Smartplanet—, sin embargo cubren enormes playas y superficies marinas alrededor del mundo. Lejos de ser un simple asunto de estética, esta contaminación implica una amenaza a la fauna oceánica. Y ahora lo estamos encontrando también en los pescados que el hombre come”.

Bajo esta isla siniestra, la vida marina corre serio peligro: hay menos espacio y oxígeno; por lo tanto, menos comida. Abundan fotografías de peces y tortugas alimentándose con tóxicos y de otras especies que crecieron estrangulados por la basura o murieron por falta de nutrientes.

En la masa flotante hay desde botellas hasta jeringas, bolsas, maletas y cepillos de dientes, todos fácilmente masticados por los animales, detalla la ONG Algalita, organización que denunció y continúa divulgando las consecuencias del parche.

La fotodegradación agrava sus efectos: la luz del sol hace que los desechos se dividan en muchos pedazos y que éstos se separen cada vez en trozos más pequeños. Por eso, en muchos mares no se pueden ver, pero siguen presentes y permanecen como plástico, enredándose en redes de pescadores y tentáculos de medusas.

¿Quiénes son los responsables del desastre?
Según Greenpeace, el 80 por ciento de los desechos provienen de las costas; esto significa que el hombre los arrojó en playas, desde yates o fueron a dar a ríos y, con las lluvias llegaron a mar abierto. El otro 20 por ciento lo ‘aportaron’ barcos y plataformas petroleras.

Lo peor es que nadie asume la responsabilidad de este asesinato ecológico, que tiene serias consecuencias para la salud humana. Como la mancha navega en aguas internacionales, ningún Estado considera el problema como propio.

UN MILLONARIO DE EE.UU. LA DESCUBRIÓ POR CASUALIDAD EN 1997. Charles Moore tropezó con un mar de basura cuando tomó un atajo para llegar desde Los Angeles a Hawai en su yate, durante una regata. Sin darse cuenta cómo, terminó en el North Pacific Gyre, un punto en el Pacífico norte donde las aguas circulan lentamente por el escaso viento y las altas presiones. “Cada vez que subía a la cubierta veía mugre flotando alrededor del barco, ¿cómo podíamos seguir rodeados de basura durante toda una semana de navegación?”, preguntó al volver.

Su impacto fue total. Moore, que hizo su fortuna gracias a negocios relacionados con la industria del petróleo, optó por vender todas sus empresas y concentrarse en el activismo medioambiental. Cuatro años antes había creado la ONG Algalita Marine Research Foundation, pero después de esa experiencia decidió dedicarse completamente a la conservación.

Moore advierte que si las personas continúan su enorme consumo de plástico, la isla doblará su tamaño en una década.
El problema está lejos de solucionarse. Se estima que la cantidad de polietileno que se fabricará en el mundo este 2010 equivale a 50 kilos por cada habitante del planeta (¡y somos seis mil millones!).

En su aniversario de este año, Algalita realizó viajes por corrientes del Atlántico y el Indico, ampliando sus horizontes de investigación. De hecho, ya estudian el impacto que la digestión de plástico tiene en los animales.

EN EL ATLÁNTICO ACABAN DE DETECTAR UN NUEVO PARCHE,

según el influyente diario electrónico Huffington Post de EE.UU. Navegando entre Bermudas y las Azores, la científica Anna Cummins y su marido Marcus Eriksen descubrieron una enorme mancha de desechos multicolores. Ella y su equipo, en realidad, chocaron con el Atlantic garbage patch, hermano del parche del Pacífico. Sus hallazgos fueron presentados en febrero pasado en el encuentro de oceanógrafos de Portland, Oregon.

Los estudios describen una ‘sopa’ de micropartículas, mayormente plásticas. Y aunque existe registro científico de restos detectados ya en los años ’70, esto es… una nueva isla siniestra.

“Nuestro trabajo ahora es conseguir que la gente entienda que la contaminación oceánica por plástico es un problema global; lamentablemente, no se reduce a un solo sector”, dijo Cummins.

Y como hasta ahora no existe forma realista de limpiar totalmente los océanos, a los conservacionistas no les queda otra que insistir en educar sobre la dimensión del daño medioambiental que genera el plástico como material de desecho.

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Intensas, con una fuerte identificación amaderada y con esencias de la India, Japón e Indonesia, las fragancias de esta temporada dejan atrás la frescura cítrica del verano. Los expertos aconsejan usar tonos cálidos con un fondo firme y profundo.

Las notas cítricas y chispeantes, con recuerdos a frutas y flores, son las favoritas de las chilenas. Al igual que la esencia de rosas, el agua de lavanda y el aceite de jazmín. Universalmente asociados a climas más cálidos, la tendencia dice que esos perfumes deberían quedar reservados para los días de playa o las tardes en la terraza.

La intensidad de las maderas, generalmente atribuidas al mundo masculino, tiene sus grandes exponentes a la hora de agregar color y un efecto envolvente en invierno. Sin embargo, Mario Salinas, experto en fragancias de L’Oréal, opina que la elección de un perfume es algo atemporal. No hay reglas. “Uno puede percibir —o creer— que algunos aromas quedan mejor en invierno o verano. Personalmente pienso que los de origen floral, con características de frescura, fruta y dulzor, funcionan mejor en los días calurosos. En cambio, los orientales, regalan versatilidad, son más penetrantes y con más carácter, ideales para el frío. De ahí que, en estas fechas, uno siente más presencia de flores de azahar, sándalo, azafrán, pétalos de benjui, flor de loto, ámbar gris, pachulí y té blanco”.

Estas notas tienen la cualidad de ser muy chispeantes en su primera impresión, “pero luego asoma la absoluta presencia oriental que, en definitiva, hace que su fijación y permanencia sea infalible”, agrega Salinas.

“Sencillamente lo que más te acomode… Ese debiera ser el espíritu al momento de elegir un perfume”, agrega Ana Carolina Palacios, Brand Manager de la División de Lujo de Bright Star. “Por ejemplo, nosotros tenemos un perfume que tiene bambú, almizcle y manzana. Se podría decir que es muy veraniego y, sin embargo, todo el año es usado por las mujeres que buscan una sensación frutal permanente. A las chilenas les encanta eso, es como si quisieran sentirse siempre livianas, en primavera”.

Lo que sí está comprobado es que la fijación es más fuerte en invierno. “Es evidente que las esencias de origen oriental tienen más fuerza en esta época. Sabemos que el clima influye y puede alterar los aromas y también la permanencia. En un día caluroso, con mucho trabajo y actividad física, el ritmo cardíaco se acelera, aumenta la temperatura del cuerpo y, finalmente, la evaporación de la fragancia será más rápida”, afirma Palacios.

María Paz Aguirre, Brand Manager de ADF & Beauty Bank: “Nada mejor para el invierno que esencias de orquídea, pachulí o jazmín. La vainilla también funciona muy bien en esta temporada”. Aun así, explica que las mujeres eligen su fragancia por razones más bien emotivas. “Porque quieren recordar olores que les son familiares, que evocan su infancia, o sencillamente para dejar una huella que las identifique y las represente”.

La moda es otro punto importante, explica Aguirre. “Los estilos y la vanguardia influyen en el gusto de las chilenas, aunque en general tienen más éxito las fragancias frescas”.

Que el ph influye es un mito. “No existe nada referido a lo racial. Más importante es el tema de la alimentación, la hidratación, el uso de medicamentos e incluso los cambios hormonales. Todos ellos pueden afectar la fijación y el aroma de una esencia. Una dieta rica en carnes o fierro, por ejemplo, afectará la forma en que se exprese un perfume, lo mismo una alimentación vegetariana”, explica Mario Salinas.

“También hay que tener en cuenta —prosigue Aguirre— que existe una relación entre los otros productos complementarios que usamos en la piel, como el gel de ducha, las cremas y lociones, que pueden afectar la duración y fijación de determinado perfume”.

Dependiendo del clima se puede generalizar: “Los eau de toilette, los más ligeros, son más apreciados en climas calurosos. En cambio, los eau de parfum más ‘espesos’, requeridos en lugares fríos”, advierte Aguirre.

Palacios agrega: “El consejo es que en estos días fríos, necesitamos toques de profundidad. Por eso, primero debemos encontrar un trasfondo y una calidez que nos identifique. Después de todo, en invierno, las personas parecen estar más cercanas”.

De ahí también que el lugar de la aplicación sea fundamental. Salinas aclara: “Nunca en el pecho, porque puede provocar mareos. Siempre detrás de las orejas, en las muñecas, los antebrazos y en la nuca, porque está confirmado que un perfume sigue irradiando sus cualidades en las zonas sebáceas y próximas al cuero cabelludo. Y por supuesto en el cuello, por donde pasa toda la sangre de nuestro cuerpo. En definitiva, en todas aquellas partes donde el bombeo y la pulsación es más fuerte. Esto permitirá que la liberación de moléculas aromáticas nunca se detenga”, concluye.

Florales
1. Pleasures delight Estée Lauder.
2. Classique Paul Gaultier.
3. Amor amor CACHAREL.
4. Eau Chance Chanel.
5. Tommy girl Tommy Hilfiger.
6. Trésor in love Lancôme.
7. Miss Dior Chérie Dior.
8. Eau Demoiselle GIVENCHY.
9. Be Delicious Fresh blossom DKNY.

Madera
1. Essence Narciso RodrÍguez.
2. Pure DKNY.
3. Parisienne YSL.
4. Fuel for life Unlimited DIESEL.
5. Idole ARMANI.
6. Original musk KIEHL’S.
7. Wanted HR.
8. Sensuous Estée Lauder.

Cítricos
1. Happy Clinique.
2. Pleasures Exotic Estée Lauder.
3. Ice 212 Carolina Herrera.
4. Oh La La Agatha Ruiz de la Prada.
5. Ricci Ricci Nina Ricci.
6. H2O Tous.
7. Pure White Linen Estée Lauder.

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