Fueron 22 millones de dólares en inversión y un resultado a la altura: 7.500 metros cuadrados, una sala para 874 personas, 32 micrófonos, sonido computarizado y un foso con capacidad para cien músicos.

De toda la superficie que ocupa el nuevo Teatro Municipal de Las Condes —en el Centro Cívico—, prácticamente la mitad corresponde a backstage y escenario, un diseño que ha tenido en cuenta las necesidades de los artistas. Y para los espectadores también hay privilegios: la butaca más alejada queda a sólo 25 metros del escenario, lo que asegura óptima visión y sonido.

El teatro integrará otros elementos. Uno es el Café Martínez, local gourmet argentino con capacidad para un centenar de clientes. Otro, el restorán Maldito Chef, liderado por Christopher Carpentier, integrará dos cartas: una dedicada a sándwiches chic y otra propia de un bistró. Así, el lugar promete consolidarse como uno de los espacios culturales más sofisticados e importantes del país. Y ya tiene programados los próximos tres meses con teatro, cine y música.

–¿Cómo cómo ha sido la respuesta del público?

–Fantástica. Ha sido el doble de audición de lo esperado. El público nos ha recibido de forma entusiasta y participativa. Nos pidieron, por ejemplo, que nuevamente traigamos la obra Baraka y a mediados de septiembre llega por segunda vez al teatro. También recibimos también felicitaciones de gran parte de las autoridades culturales del país, quienes valoran la remodelación de un gran teatro y que ha tenido una gestión exitosa, con una oferta cultural que era inexistente en el país. Con un solo año de funcionamiento somos líderes indiscutidos de audiencia.

–¿Cuáles han sido los espectáculos más impactantes que se han presentado?

–Fueron todo un suceso social las transmisiones en vivo desde el The Metropolitan Opera de Nueva York (con alfombra roja hasta la calle). Exhibimos nueve obras, entre ellas Tosca, Aída y Turandot con la más alta tecnología en HD. Logramos una audiencia cercana al 90 por ciento y más de la mitad compró abonos.
Destaco también Chile íntimo, una apuesta que reunió a tres grandes voces nacionales: Myriam Hernández, Nicole y Joe Vasconcellos. El desafío fue que los artistas, de alguna forma, reinventaran su show para lograr una conexión más cercana con su público. Myriam Hernández se acompañó sólo de un piano, Nicole cantó escoltada por un grupo de cuerdas, liderado por la cellista Angela Acuña, y Joe Vasconcellos desplegó toda su vitalidad con el grupo musical Fractal. Con este ciclo respaldamos nuestra línea editorial, que acoge todas las artes escénicas mientras sean de excelencia. Vuelvo a mencionar a la multipremiada obra Baraka, un estreno sin precedentes en la escena nacional. La sala se llenó los cinco días que se exhibió. Esto nos confirmó que montajes de gran calidad de otros países son muy demandados por el público chileno. Además, tenía un elenco argentino de lujo: Darío Grandinetti, Juan Leyrado, Hugo Arana y Jorge Marrale. Por último destaco a Tricicle 2. A días de inaugurado el teatro, trajimos a esta compañía catalana con 25 años de trayectoria de humor gestual con risas (comprobadas) cada 10 segundos. En Chile nadie los conocía y tuvo un rotundo éxito. Regresaron en julio de este año con Garrick.

–¿Cómo respondieron los operáticos a las transmisiones desde el MET?
–La gente se apasionaba, se involucraba y aplaudía cada ópera. En el foyer (durante los entretiempos) conversaban sobre la función y la gran nitidez de la pantalla, que permite ver hasta gestos y arrugas de los protagonistas. Además, el MET despliega 14 cámaras. Entonces el público veía al director, a la orquesta, los cambios de escenarios, tenía planos generales y close up. Como dice el propio MET: “Se ve mejor que en el mejor asiento del Metropolitan”.

–¿Qué novedades hay en carpeta?

–Se viene en grande Il Postino. La famosa película italiana (basada en el libro de Antonio Skármeta) será llevada por primera vez a la ópera. Plácido Domingo personificará a Pablo Neruda y Cristina Gallardo-Domás a Matilde Urrutia. Su estreno, en la Opera de Los Ángeles de Estados Unidos, es el 23 de septiembre.  Al Teatro Nescafé de las Artes llegará diferido el 2 de octubre. Además, el 2 de septiembre llega el Ballet Trockadero de Monte Carlo. Es un espectáculo fantástico, deslumbrante, con una de las compañías de ballet más prestigiosas y revolucionarias del mundo. Los “TROCKS”, como los llaman, son 14 hombres que toman el desafío de pararse en punta de pies y logran el control absoluto de sus movimientos. Todo mezclado con un humor muy fino, que parodia y pretende homenajear al ballet. Un espectáculo con todas sus letras.
Y, por supuesto, el 9 de octubre parte la nueva temporada del MET (con 11 funciones). Nuevamente sacaremos la alfombra roja a la calle y perfumaremos la sala para recibir a la primera ópera: El oro del Rhin de Wagner.

Suena la música de Tchaikovsky. Las bailarinas salen a escena. Se elevan sobre las puntas de sus pies, usan tutús, pero hay algo extraño. Son corpulentas, usan zapatillas talla 47 y ‘algunas’ tienen el torso ‘peludo’. Una sorprendida señora del público comenta: “Parece una chica de lo guapa que es… bueno, de lo guapo que es…”. Es la esencia del impresionante Les Ballets Trokadero de Monte Carlo: hombres interpretando roles femeninos con tal perfección que engañan. El día del estreno de su show en Bilbao, España, el teatro Arriaga está a rebosar. Gente de todas las edades, paisanos y extranjeros, ríen cuando un grupo de musculosos pero perfectos cisnes aparece y uno de ellos cae con la torpeza de un patito feo. La carcajada en la platea es general.

Pero no se confunda. No es un show de Drag queens ni una burla a la danza clásica. Es ballet de verdad con bailarines que fueron primeras figuras. Sin duda, un espectáculo único. A los largo de sus 36 años de trayectoria, la compañía ha recibido multitud de premios, se presenta siempre a tablero vuelto y tiene la agenda copada hasta mediados de 2012. Llega a Santiago, por segunda vez, luego de una extensa gira por España, Budapest y Japón. Actuará 
en el Teatro Nescafé de las Artes, que cumple un año de impecable funcionamiento, el 2, 3 y 4 de septiembre. En esta ocasión mostrarán ChopEniana (Las Sílfides), Patterns in space, La Vivandiere y Raymonda’s Wedding.

Detrás de las cortinas se trabaja con seriedad. Reina un silecio sorprendente… los protagonistas se pintan los labios.

“¿Te importa que me afeite mientras hablamos?”, pregunta el bailarín Fernando Medina en su camerino, una hora antes de que empiece el espectáculo. “Como comprenderás es fundamental ir afeitado”, agrega. En pocos momentos interpretará a la princesa Odette (de El lago de los cisnes) y no quedaría bien representarla con una barba de dos días. Sin embargo, la ilusión funciona del cuello hacia arriba, pues mantiene los brazos sin depilar y las piernas, evidentemente, son masculinas. “No queremos engañar al público haciéndole creer que somos mujeres, pero sí que vea que los hombres son capaces de personificar a cisnes, princesas, hadas y otros papeles femeninos”, explica Tory Dobrin, director artístico de la compañía.

El grupo se formó en 1974 en Nueva York para imitar las obras y coreografías del ballet clásico. La idea era reírse del dramatismo de El lago de los cisnes y poner en evidencia el divismo de las primas ballerinas. Es decir, comedia en estado puro, pero con una sorprendente destreza técnica. El nombre de la compañía lo adoptaron de un club en Nueva York y le añadieron Monte Carlo como parodia, ya que era una época en la que el ballet ruso dictaba las normas de la danza y los bailarines norteamericanos cambiaban sus identidades para hacer carrera. Aunque partieron con poco éxito en el Off-Off-Broadway (actuaban cuando los principales espectáculos y los que seguían habían terminado), tuvieron suerte cuando Richard Avedon los fotografió para la revista Vogue Estados Unidos. Desde entonces, han recibido excelentes críticas y se han presentado en las capitales más importantes del mundo. Trokadero es una máquina que no para nunca.

En el camarín, Fernando sigue su transformación. Es capaz de convertirse en ‘cisne’ en media hora y es cuidadoso con todos los detalles. De origen español, es uno de los más veteranos de la compañía y con más oficio. Recuerda con humor lo mal que lo pasó en su debut. “Las pestañas postizas pesaban mucho y me hacían sombra… no podía ver bien. Además, el corsé del bailarín a quien tenía que sustituir me apretaba un montón”, cuenta sonriendo.

El elemento más difícil de dominar son las zapatillas de punta. El colombiano Giovanni Ravelo, quien fue parte de la Compañía Nacional de su país, estuvo a punto de no presentarse a la audición, cuando se enteró que tenía que usar puntas: “Le dije a un amigo: Es una locura, ¿cómo se te ocurre?”, recuerda. Pero lo probó y le gustó. “A las pocas semanas ya estaba arriba de mis dedos, sangrando mucho eso sí”, cuenta. Están de acuerdo en que este aprendizaje ayuda a fortalecer los tobillos y a mantener el equilibrio. Incluso, Rafaele Morra, uno de los 14 intérpretes del grupo, dice que “si volviera al baile clásico podría ayudar más a mi compañera porque ahora entiendo su técnica”.

El futuro de Trokadero pasa por mantener la esencia. Para los danzarines su paso por este ballet les abre las puertas a la interpretación, camino que pueden seguir cuando cuelguen las zapatillas de raso. Por mientras, viven el momento. Tras el estreno, buscan un restorán donde haya lugar para todos y la comida sea muy abundante. “Ellos, a diferencia de las bailarinas, no sólo se alimentan de lechuga”, comenta riendo Iliana López, una de las profesoras de baile.

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Como suele pasar ya hace años, apenas se apagan las luces de la sala los espectadores saben que Teatrocinema se encargará de transportarlos por un inesperado y rupturista periplo dramatúrgico.

Así lo hicieron con Sin sangre y así lo están haciendo ahora con El hombre que daba de beber a las mariposas, la nueva y exitosa obra que está en cartelera, con butacas llenas, en Matucana 100.

Días antes del estreno en nuestro país, el actor y director Juan Carlos Zagal habló con CARAS, mientras esperaba la conexión que lo traería a Chile. Venía regresando de Italia después de haber presentado, con éxito arrollador, el montaje en el teatro San Ferdinando de Nápoles.

Pensada como una trilogía, la primera entrega, Sin sangre, exploró el lado más oscuro del ser humano (dolor, violencia y venganza), mientras esta nueva puesta en escena indaga en mundos más cercanos a la compasión, el amor y el humor.

Si antes sorprendieron con el inicio de un estilo basado en la dramaturgia y el cine, ahora ese camino se profundiza más con el uso masivo de composiciones digitales, filmaciones y animaciones 2D y 3D. Todo, en una poesía de imagen que algunos ya plantean como el lenguaje que comandará el teatro del nuevo milenio.

“En varios momentos el espectador no logrará discernir qué es virtual y qué no”, adelanta Zagal.

El desafío no es menor. No sólo en cuanto a las exigencias y costos que implica esta apuesta sofisticada en lo tecnológico, sino en el peligro de que esas herramientas del mundo virtual terminen por devorar la dramaturgia. Pero Teatrocinema ha sido capaz de que estos recursos estén precisamente al servicio de los actores. Ellos son los que los usan, no al revés.

Escrita por Juan Carlos Zagal, Laura Pizarro y Dauno Tótoro, El hombre que daba de beber a las mariposas —segunda coproducción que realiza la compañía con la Fundación Teatro a Mil y que estará hasta el 22 de agosto— permite un viaje tiempo-espacio instantáneo, un salto de una mente a otra que sorprende y maravilla.

La obra se desarrolló en veinte meses. “Partimos con la escritura del guión, la preproducción y planificación. Luego el storyboard y los ensayos con los nuevos actores. Después vino toda la etapa de filmación, postproducción de las imágenes y la animación de los mundos 3D. En total unas 50 personas han estado en las distintas etapas del proyecto. Ha sido difícil en lo económico, pero muy gratificante en lo creativo”.

—¿Qué presupuesto maneja una obra así?
—Dar cifras exactas es complicado. Lo que sí puedo decir es que todos recibimos un salario digno y profesional. A eso se suma la inversión en equipos y el alquiler de distintos espacios. No sé los montos precisos, pero debe ser muy parecido a lo que cuesta hacer una película hoy en Chile. La gran diferencia es que en el cine está la postproducción y la edición, acá nosotros lo hacemos todos los días en vivo.

—¿Resulta rentable un montaje con ese nivel de inversión?
—No hemos pensado en eso. Así somos de irresponsables. No tenemos más expectativas que seguir viviendo dignamente de lo que hacemos y que la compañía, con las 15 personas estables que la componen, se mantenga en el tiempo.

—Lo que está claro es que esta obra es tecnológicamente más compleja que Sin sangre…
—Mucho más. Usar 3D y más de 300 videos mezclados en las pantallas con sonido 5.1 hace la obra más vertiginosa y compleja. Es una evolución en el lenguaje que hemos planteado hasta ahora. De hecho, nos obliga a reflexionar sobre qué es lo que queremos hacer más adelante.

—¿Y cuál es la respuesta?
—Que no podemos seguir tensionándonos y presionándonos tanto. No hay dinero que alcance, tampoco tiempo ni lugares disponibles. Estamos muy en contra. Somos como esos corredores africanos que ganan las maratones, pero que nunca se habían puesto zapatillas. Como hacemos un trabajo experimental, necesitamos un laboratorio. Y no lo tenemos. El problema es que generamos más ideas de las que podemos realizar. Esta obra es más evolucionada, pero quizá tampoco refleja lo que realmente soñamos. No hay que bajar el nivel de creatividad, sin embargo, también debemos ser realistas.

“REALIZAR UN VIAJE AL INTERIOR DE LA MENTE O DE LOS SUEÑOS ES DIFÍCIL DE LOGRAR. La tecnología facilita el recorrido de los espectadores en tiempo y espacio. Es la forma para contar nuestra fantasía”, agrega.

—¿No sería posible hacerlo sólo con dramaturgia?
—Es que no me interesa la palabra sola. Lo más importante son los ojos: una especie de réplica de una galaxia. Una puerta, un umbral… Nuestro teatro es un ojo que se abre y mira. Queremos estimular de distintas maneras a esa persona que está expectante en medio de una sala oscura. Claro, un riesgo es que la tecnología termine por comerse a los actores, pero acá no sucede porque está al servicio del texto.

—Debe ser difícil escoger los mejores efectos para la narración…
—Por eso nos demoramos tanto. Usamos mucho el sistema de prueba y error. Repetición, repetición, repetición… Así vamos encontrando el camino. Además, llevamos años en esto. La experiencia con La Troppa nos sirvió mucho, ya que siempre trabajamos sobre la base del juego. Esa es la clave: esto es puro juego. Lo que pasa es que algunos de los juguetes que utilizamos ahora son más complejos.

—Sin sangre estaba marcada por el dolor, la venganza y la violencia. ¿Qué elementos atraviesan este segundo montaje?
—Las ganas de vivir, de superar el dolor… Son historias de amor que se mezclan. Hay tristes, divertidas, inquietantes. Y todo transcurre mientras se filma una película. Es como un sueño intenso.

—¿Por qué hablan del concepto con-fusión?
—Son las ganas de fundir y confundir. Es el deseo de que a uno le muestren un truco y creer en él. Ahora, esta obra comparada con Sin sangre, es una montaña rusa, muy vertiginosa… Hay momentos memorables donde hasta nosotros aplaudimos.

—¿Hacia dónde nos llevarán en la última parte de esta trilogía?
—Es que no sé si habrá una tercera.

—¿Por qué?
—Nada es seguro. Hay que evaluarlo y ser responsable. Ya no queremos ser orfebres, sino joyeros finos. ¿Pero cómo hacer para financiar y tener el tiempo que se requiere para elaborar esa joya? Es un desafío enorme, que queremos hacer, pero al parecer es algo que sólo nos interesa a nosotros y al público que le gusta el teatro. Lo demás es todo ficción. Antes de pensar en una tercera parte, queremos que los chilenos vean esta obra y sepan que estamos activos y en el camino.

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Al ritmo de la samba
Londres vibra por estos días con sonidos de carnaval. Se trata del Festival Brasil, en el Southbank Centre. Un maratónico encuentro de cine, arte, música y literatura con artistas como Gilberto Gil, Leandra Varanda y la Orquesta de Bahía. Una de las exhibiciones más importantes es la de Ernesto Neto, Los límites del mundo, que presenta en la Hayward Gallery.
Todo agosto.
Belvedere Road, London SE1 8XX.
Teléfono 44 207 960 4200.
www.southbankcentre.co.uk

Jardín secreto
Durante el verano no hay sitio más espectacular que The Roof Gardens. Poblado de robles, rosas y lavandas, acaba de ser renovado por el paisajista Ralph Hancock. Ubicado al centro de la ciudad, alberga un club privado y al reconocido restorán Babylon con su excelente comida internacional.
99 Kensington High Street, London, W8 5SA.
Teléfono 44 207 937 7994.
www.roofgardens.virgin.com

Cine. El patio de Somerset House —imponente edificio neoclásico— se transforma en un original cine al aire libre. En vez de butacas, hay colchonetas y cojines. Proyectarán Kill Bill, Manhattan y Mulholland Drive. Hasta el 8 de agosto. Strand, London WC2R 1LA. www.somersethouse.org.uk

Opera y ballet. Por primera vez, la Royal Opera House recibe a las compañías de danza y ópera del teatro Bolshoi de Rusia. Ambos elencos interpretarán un repertorio clásico. Funciones del 2 al 14 de agosto. Royal Opera House. Covent Garden, London WC2E 9DD. www.roh.org.uk

En el país más futbolizado del planeta, el Mundial no es un asunto importante al interior de la ciudadela que cobija al Cirque du Soleil en Buenos Aires. Las vuvuzelas, banderas, camisetas e hinchas agolpados para ver los partidos que exhiben las pantallas en las vitrinas porteñas pertenecen a un mundo que no llega a conmover a los habitantes de una comunidad circense donde lo que domina es el entrenamiento, la disciplina y la rigurosidad.

Todo queda claro en el comedor. Allí los artistas prefieren dedicarse a vaciar sus contundentes platos y conversar antes que seguir las instancias del pleito Portugal-Costa de Marfil que se transmite en un gran LCD puesto en un rincón. Los dos computadores con internet ubicados al otro lado del salón tienen más demanda, casi tanta como los refrigeradores desde donde el elenco saca bebebidas, postres y yogures.

Faltan tres horas para la función y la actividad comienza a ser cada vez más intensa en ese territorio de dos mil metros cuadrados comandados por una enorme carpa principal de 50 metros de diámetro y 24 de alto. En ella, cada jornada, 2.500 personas se maravillan con Quidam, pero durante el resto del día ese corazón que late cada noche no es más que un enorme músculo de lona silencioso y vacío.

Es extraño pensar que en 1984 apenas una veintena de artistas callejeros de Québec —liderados por Guy Laliberté— convirtieran al Cirque du Soleil en una enorme multinacional de la entretención. Hoy tiene cinco mil empleados, 19 espectáculos presentados de manera simultánea en diferentes partes del planeta y cien millones de personas lo han visto.

QUIDAM (TRANSEÚNTE ANÓNIMO EN FRANCÉS) está en cartelera desde 1996. Pese a los años que lleva en escena, el show muestra cómo la compañía es una máquina bien aceitada que se mueve con agilidad por el mundo y mantiene —no importan los años transcurridos— un nivel de excelencia que parece no declinar jamás.

El tema logístico es una cuestión tan monumental como compleja. Por ejemplo, para echar a andar el número que estará en Chile (desde el 13 de julio) se necesitan 60 camiones y 144 personas de 22 países distintos. Sólo levantar la carpa principal requiere de unas doce horas y más de 70 personas.

Pero Quidam es más que la carpa que resguarda el escenario central. De hecho, alrededor de ella existe un mundo muy parecido a un pequeño país que se encarga de funcionar de manera autónoma. Lo que nunca ve el público son los espacios de ensayos, la cocina con su gran comedor, las decenas de containers con oficinas administrativas, la lavandería, los fisioterapeutas o la escuela.

El estado-Quidam sólo está listo después de ocho días de trabajo. La ‘construyen’ 40 técnicos de la compañía más cien operarios que se contratan especialmente en cada lugar. Por suerte, desarmarla es menos laborioso: ‘apenas’ tres días. En realidad, la nación circense tiene de todo, hasta electricidad propia. Sólo el agua no es de ellos.

Pero recorrer el lugar resulta algo incómodo para el forastero. Todo debe ser debidamente autorizado, está lleno de restricciones para no entrar a ciertas áreas, no se deben tocar los equipos y hay que evitar incomodar a los artistas.

Los técnicos tienen facha de ex integrantes de grupos de rock y amantes de las motocicletas. Los acróbatas, en cambio, se identifican de inmediato: casi todos son flacos, fibrosos, sin peinados ni barbas extrañas y, en el caso de las gimnastas, tienen caras y cuerpos más de niñas que de veinteañeras.

Los artistas han sido acróbatas, bailarines, reconocidos gimnastas (en total son 51, provenientes de 14 países y con un promedio de edad de 28 años). Ninguno duerme en la ciudadela, sino que en los mejores hoteles de los países donde llegan. Se les paga en dólares canadienses, cada dos semanas según la cantidad de números que hayan realizado. Hay beneficios en salud, seguros y bonos, pero son herméticos cuando se trata de hablar del sueldo promedio. No hay sindicato y sólo tienen libre un día a la semana, el lunes.

Muchos cumplen doble función por si uno de ellos se enferma o lesiona, pero hay números tan especializados que si el titular no puede actuar, esa parte del espectáculo se cancela.

Un par de horas antes de la presentación la ‘carpa de los artistas’ (en la parte trasera del escenario) entra en frenesí. Se maquillan, ensayan, elongan y uno más allá dedica largos minutos a arreglar un mechón de pelo que debe estar levantado. Eric Heppell es uno de los entrenadores a cargo e intenta explicar la razón del éxito de los shows de Cirque du Soleil: “Creamos algo que cada espectador asume de manera distinta. Por ejemplo, mi madre que es de Siberia vino a ver Quidam y lloró porque tuvo una conexión política de lo que mostramos con su vida personal en Rusia. Cada reacción es diferente”.

Mark Ward (pianista, bailarín y acróbata) hace de maestro de ceremonias. Doce años lleva en Quidam. El morocho de cuerpo delgadísimo es el que dedica media hora a un pequeño mechón levantado. “Prefiero no pensar qué pasaría si me enfermo. Acabo de completar seis mil shows sin faltar”, dice mientras toca madera.

A cargo de todo está Robert Mackenzie, director general de Quidam. Con su pinta de integrante de Pink Floyd, este inglés con casi dos décadas en Cirque du Soleil resume el espíritu de los que son parte de la compañía: “Estoy acostumbrado a viajar, vivir en hoteles y hacer amistades en diferentes países. Es mi estilo de vida y no lo cambiaría por nada”.

Los minutos pasan y la actividad se incrementa. Justine Willis, jefa de vestuario, se esmera con su equipo en ordenar las 250 tenidas y cerca de 300 pares de zapatos que tienen a su cargo. “Los trajes son diseñados a la medida y cada artista ocupa entre dos y siete diferentes por vez. Todo se hace en Canadá y demora unas tres semanas en estar listo”, explica mientras algunas ayudantes peinan con dedicación un par de pelucas.

Unos se arreglan, mientras otros terminan de consumir calorías. Thierry Guittet-Remaud, un tipo grandote, es el jefe de cocina. Prepara unas 300 raciones diarias. “El menú se adapta con los productos que encontramos en cada país. Lo que más gusta acá son las cosas fritas, como el pollo. Tenemos bebidas, pero se evitan. ¿Alcohol? Depende de la normativa de cada lugar. A veces podemos disponer de un poco en nuestro comedor”.

Unos containers más allá, David Godbout, profesor de la escuela, aprovecha de dar las últimas lecciones del día. El maestro lleva 13 años haciendo clases a los jóvenes y niños que participan en el Cirque. Ahora en Quidam, tiene cuatro alumnas, pero algunas veces el curso ha llegado a sumar 19 estudiantes.

Ella Bangs, canadiense de 13 años es una de las escolares. Bangs personifica a Zoé, que en el show canta como los dioses. Hablar con ella, sin embargo, es una prueba de que, pese a presentarse en la más prestigiosa compañía circense del planeta, sigue siendo una niña tímida de voz dulzona.

—¿Qué te gustaría hacer después de estar en Cirque du Soleil?
—Mmmm… no sé.

Acá un video del espectáculo

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Blue Man Group 2010
Los tokiotas aclaman las payasadas avant-garde de estos hombres pintados de azul. Mezcla de música y comedia el grupo, fundado en los años ’80 en Nueva York, usa materiales de desecho para crear experiencias únicas. En esta obra se burlan de la sociedad inhumana de internet.
Funciones hasta el 30 de septiembre.
Teatro Roppongi Blue Man Theatre.
Precio 80 dólares.
Tel: 0570-02-9999

Club Womb
En Tokio hay dos discotheques imperdibles. Ageha es quizá la más grande, con más pisos y diferentes espacios, pero Womb está en el corazón de Shibuya (el barrio joven de la ciudad), tiene mejor sistema de luces y allí se filmaron las escenas japonesas de la cinta Babel. Diversión garantizada.
2-16, Maruyama-Cho, Shibuyaku,Tokio.
Precio 40 dólares, sin flyer.
Tel: 03-54459-0039

Summer Sonic 2010.
Dos días de conciertos con Jay-Z, The Smashing Pumpkins, Stevie Wonder, Pixies, Nickelback y Slash, junto a otros como Jonsi, Band of Horses y Fanfarlo.
Fecha 7 y 8 de agosto.
Chiba Marine Stadium & Makuhari Messe.
Precio 315 y 175 dólares.
Tel: 03-3462-6969.

Obra Butoh.
Hatabi no Dahlia/Kenka es lo último de la compañía Torifune Butoh-sha, un teatro desarrollado tras el impacto de los bombardeos de Hiroshima, inspirado en las víctimas que caminaban con sus cuerpos quemados. Los actores danzan desnudos o pintados de blanco, el cuerpo habla por sí solo.
Funciones 16 y 17 de julio.
Theater X, Ryogoku.
Precio 30 dólares.
Tel: 0463-60-1008.

Un acorde de bandoneón, intenso y apasionado, se apodera del escenario. Al ritmo de Piazzola bailarines entrelazan las piernas, juntan sus cuerpos y también sus almas, porque el tango es eso, conquista pura. Una veintena de artistas dan vida a Tango Seducción, uno de los shows más refinados y potentes de la danza argentina, y que ha obtenido los mejores comentarios en Europa. La crítica de Le Figaró dijo: Los bailarines merecen un premio a la excelencia… rivalizando la seducción y sensualidad, la sincronización de sus movimientos alcanza la perfección, mientras que el Metro de París publicó: El Barishnikov del Tango está de regreso…. Esta compañía porteña que ha actuado en Bielorrusia, República Checa, Grecia, Francia, Holanda, Croacia, Israel, Brasil, Austria, Estonia, Emiratos Arabes, llegará a Santiago el 25 y 26 de junio y se presentará en el Teatro Nescafé de las Artes. Antes de partir a Chile, su director, coreógrafo y bailarín, Gustavo Russo habló con CARAS y explicó cómo se gesta noche a noche el sensual montaje.

Cuenta que la puesta en escena está dividida en tres partes. “La primera es la más tradicional, con los íconos típicos del tango y relata sus orígenes en el siglo XIX. Coreográficamente es donde demostramos cuán buenos son los bailarines. Hay un poquito de alarde técnico. En la segunda, se presentan los clásicos como La Cumparsita y los diferentes estilos. En el tercer acto está el leiv motiv. Allí realmente está la historia y el mensaje que tiene que ver con la intensidad de la seducción”, explica Russo.

Si bien un gran porcentaje de la música del show es de Astor Piazzola, también hay de otros autores, “toda la historia del tango de los años ’30, los ’50, pasando por D’Arienzo y Troilo”, comenta el director y agrega: “Quiero destacar el aporte de Roberto Santocono como director musical, porque le transmito algo en lo que me inspiré o le propongo una idea e inmediatamente me dice cuál es el tema adecuado para ese concepto”.

—¿Es cierto que usted odiaba el tango?
—De adolescente lo detestaba. Mi madre lo tarareaba todo el día y yo pensaba que era para viejos. Sin embargo, a los 17 años, cuando ya había decidido estudiar medicina, sin saber cómo me enamoré de esta danza. Nunca pensé en llegar al lugar donde estoy. Trabajaba en las casas de San Telmo como hobby y era la forma de pagarme la universidad. No obstante, con las primeras giras me fui alejando de los estudios de medicina y el bailarín le ganó al médico.

—¿Cómo definiría el show?
—Uso el baile como un instrumento. Lo utilizo para expresarme como artista. Tango Seducción tiene mucha música y cuadros que no se limitan sólo a la danza. En sí, tiene la intención de hacer pensar a la gente. La parte coreográfica y musical quedará en segundo lugar y pasará al primero el argumento, la intención de lo que se quiere decir.

—¿En qué se inspira para realizar las rutinas?
—En las escenas diarias de la vida. Puedo estar en un café mirando por la ventana y la gente que pasa me inspira. Alguna vez alguien me preguntó por qué tenía una visión tan dura, pero en realidad no es mía, sino que es lo que realmente pasa afuera.

—Un poco como transitar en la historia…
—Sí, pero no del tango. Quizá mucho público irá para ver el virtuosismo de los bailarines, pero me interesa más aquel que intenta interpretar mi mensaje. Transmitir lo que tengo en mi espíritu es más importante que el estilo o el conocimiento de la danza.

—¿El elenco se renueva?
—Sí claro, aunque para mí siempre es difícil elegir bailarines. Deben tener buena técnica, conocimiento de otras danzas y al mismo tiempo ser capaces de interpretar. Me ha pasado con algunos, que tenían una disciplina a toda prueba, pero que adolecían de alguna de las otras cualidades. Con la cantidad de giras que hacemos y la convivencia diaria que tenemos, si la relación no es buena repercutirá en el escenario. Por eso hay que ser minucioso en la elección.

—¿Pasa lo mismo con su pareja de baile? ¿Hace cuánto que está con ella?
—Hace seis años que bailo con Samanta García. Ella es el ideal que nunca busqué… tuve una pareja de tango por mucho tiempo y cuando nos separamos dejé de subir al escenario y me dediqué sólo a dirigir la compañía. Con Samanta volví como bailarín.

—¿Cree que el tango sólo es bien bailado por los argentinos?
—No, no, de hecho se baila bien en todo el mundo y hasta me atrevería a decir que en algunos lugares lo hacen mejor que los de Buenos Aires. No tengo dudas.

—¿Contrataría un extranjero?
—Sí, de hecho tengo en la compañía a una brasileña, excelente profesional. No tengo reparos con la nacionalidad de un bailarín, pero hay que reconocer que ser porteño da un carácter.

—Entonces…
—En Europa si alguien quiere bailar lo hace estudiando. Acá lo normal es que si la gente quiere bailar, va y lo hace. Es una cuestión cultural. Como porteños, ojo que me refiero no sólo a los de Buenos Aires, sino también a los de Montevideo, tenemos una idiosincrasia muy particular y eso se transmite en la forma de pedir un café, de caminar… y también se nota en el escenario. Técnicamente muchos pueden ser impecables, por ejemplo, los alemanes, que estudian todo tan perfectamente, pero les falta feeling. Por eso varios extranjeros se vienen a Argentina con becas para poder entender las costumbres y absorber la autenticidad.

—¿Piensa que el tango continuará con los jóvenes o es para viejos, como pensaba antes?
—Al principio nadie valoraba el tango. Pero cuando se organizaron festivales afuera y se ganó mucha plata, le tomaron el peso. Lo fomentaron como una moda, un negocio. Por supuesto que en la oleada hay mucha gente que lo toma bien, no por esnobismo. Estamos en ese momento. Hay otros que le hacen mal al tango, porque le sacan identidad poniendo cosas muy comerciales. Está bueno que haya personas que se interesen, que lo mantengan vivo.

—¿Y qué espera de su actuación en Santiago? ¿Qué expectativas tiene?
—Nunca he ido a Chile con este espectáculo, pero Roberto (Santocono) ha vivido allá y tiene muchos amigos, en eso tiene más experiencia que yo. Me gustaría que no sólo fueran los cultores del tango, sino todos los que aprecian un buen espectáculo. Estoy entusiasmado con eso, que venga público que quiera ver algo distinto. He estado dos veces en Santiago y otra en Viña con Mariano Mores y sé el nivel del público. Me encantaría que aprecien el espectáculo que les vamos a brindar.

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Durante veinte años, un desconocido ex asistente de fotografía de Playboy capturó las mejores imágenes del espectáculo revisteril más reconocido de Chile. Una antropóloga desempolvó los negativos: Proyecto Cabaret es su exclusivo registro.

En la bicentenaria historia de Chile no ha habido show igual. Fueron dos décadas de revistas con las mejores bailarinas nacionales y extranjeras, grandes artistas y escenografía de primera, en el famoso Teatro Opera de calle Huérfanos, en el corazón de Santiago.

Hace doce años, la antropóloga Cristina Guerra encontró en el entretecho de la casa de su abuela unos cinco mil negativos del BBB. Eran del fotógrafo David Rodríguez Peña, amigo de su abuela y todo un personaje. Hasta donde se ha podido reconstruir su historia —Rodríguez murió de un derrame cerebral en 1968, a los 38 años—, el fotógrafo trabajó en Venezuela y Estados Unidos, donde llegó a ser asistente en la revista Playboy. En Chile, sus instantáneas se publicaron en Pingüino y Ritmo.

Un brillante uruguayo de nombre artístico Buddy Day creó la compañía en 1953, destacándose por sus instalaciones y por la calidad de sus espectáculos. El Bim Bam Bum rápidamente hizo olvidar al famoso Bataclán (1926), primer gran show revisteril.

El BBB marcó una época que no tiene comparación, dejando una huella indeleble que, décadas después, resultó evidente cuando en la televisión fueron grito y plata programas como Sabor latino (que inmortalizó a la española Maripepa Nieto).

Entre las estrellas internacionales que se mostraron en el Bim Bam Bum figuran las argentinas Nélida Lobato, Susana Giménez, Ethel Rojo, Nancy Lezica y Moria Casán, y la francesa Xenia Monti.

Era espectáculo obligado y epicentro del glamour capitalino en los ’50, cuando la vida política y la alta sociedad giraban en torno a la Plaza de Armas y el centro , entre el Club de la Unión y el bar del City, pasando por el Congreso y El Mercurio de Morandé con Compañía.

Fue el reinado del clan Ubilla, encabezado por la mítica Pitica, por esos años primera vedette nacional. Sus hermanas, sobrinas y hasta las nietas subieron al escenario en altísimos tacos aguja, desde donde bajaban por una escalera iluminada con enormes focos.

Pero no sólo de plumas vivía el show. Artistas del sketch, recordados hasta hoy, se dieron a conocer en el Opera: Manolo González, Mino Valdez, Humberto Gambino y, por supuesto, Carlos Helo. Actrices aún vigentes, como Peggy Cordero, también estuvieron ahí.

Isabel Allende escribió en sus tablas un capítulo mítico en 1973: la directora de Paula, Delia Vergara, la hizo presentarse a una postulación de coristas. Contra sus propios pronósticos, fue aceptada, después de pasar la plancha del siglo vestida con mini y enormes tacos. Y con su perro Perejil en brazos. El relato quedó registrado en el reportaje Me fui a ofrecer de corista al Bim Bam Bum.

El toque de queda de 1973 puso fin a dos décadas de vida revisteril. Hace dos años la directora de teatro Paulina (Pali) García lo revivió con la obra Apoteosis final: BBB up. El elenco incluyó a las actrices Coca Guazzini, Patricia López y Catalina Guerra, envueltas en plumas.

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La pieza teatral que se ha presentado a tablero vuelto en Argentina, se presentó en Chile. Los protagonistas, actores consolidados y de gran oficio, hablan de Baraka.

Amistad, mentira y traición. Cuatro amigos que se vuelven a reunir. ¡Baraka!… un grito de guerra, un saludo propio que echan afuera al reencontrarse. Son los elementos clave de la obra de teatro que cosecha éxitos hace casi dos años en Buenos Aires. Bajo la dirección del talentoso director Javier Daulte y del productor Pablo Kompel, ya ha recorrido Bogotá, Montevideo y también estuvo en Santiago, en el en el Teatro Nescafé de las Artes.

El elenco completo recibió a CARAS en medio de los ensayos.

Los actores aparecen en el mismo orden que lo hacen en el escenario: Darío Grandinetti, Juan Leyrado, Jorge Marrale, Hugo Arana y Paula Kohan, la única mujer. Podrían pasar por el típico ‘grupete’ que en un café habla de fútbol, trabajo y faldas. Hay fiato, se nota. Son actores consagrados, pero no mediáticos. ¿Sus vidas privadas? Eso… privadas. Cada uno ha alcanzado la cima de su carrera tras unos 35 años de trayectoria en la televisión, cine y teatro.

Están expectantes por actuar en Santiago y sorprendidos por la convocatoria que ha generado Baraka. Acaban de llegar de Uruguay, donde trabajaron a sala llena; también estuvieron en Colombia y luego los esperan cinco meses de temporada en Madrid. En Argentina, tras un año y medio en cartelera, la obra ha tenido más de 200 mil espectadores. Ha sido tal el suceso, que los ha puesto en el candelero como si la hubieran protagonizado en la pantalla chica: “Nos sorprende ver que los taxistas y la gente en la calle nos para. Sólo estamos haciendo teatro, nada de televisión. Es un fenómeno extraño”, comenta Darío Grandinetti.

—Darío, cuando tuvieron el libreto de la pieza de la dramaturga holandesa María Goos, ¿cómo se repartieron los personajes?
—Los primeros en ver la obra fueron Jorge (Marrale) y Juan (Leyrado). A medida que leíamos, cada uno pensó en cuál quería interpretar. En mi caso pensé en ser Pedro (un empleado público, homosexual, que valora el arte). Cuando convocamos al director, Javier Daulte, le dijimos qué papel haría cada uno, lo que es atípico. Fue idea nuestra llamar a Javier (Daulte) y al productor, Pablo Kompel con quien habíamos trabajado muchas veces. Pensé que Javier no aceptaría porque sólo conduce sus propias obras. Pero quiso estar al mando, aun cuando los actores ya nos habíamos repartido los personajes.

—O sea, sin discusión, todo se conversó…
—Somos un grupo poco convencional. Cuidamos nuestro trabajo, también nos apoyamos entre nosotros, nos importa que el espectáculo se mantenga vivo y fresco. Por lo general se ensaya con compañeros, se forma un elenco, una compañía, pero aún con mucho respeto cada uno tiene objetivos distintos. Acá, a pesar de la singularidad de cada uno, hay un objetivo común… el principal es cuidar la puesta en escena. Nos gusta llegar temprano y estar muy dispuestos a la labor.

—¿Juan, qué le atrajo de Julián, hombre de pocos escrúpulos y a las puertas de ser ministro?
—Cuando leo un guión, ya en la página doce me doy cuenta si lo quiero hacer o no. Hubo algo que tenía que ver con el personaje, pero iba más allá… se relacionaba con esos hombres en escena, todos caracteres tan reconocibles. Podía prender la televisión, salir a la calle, mirar a mi alrededor y verlos. Me di cuenta de que eran muy contemporáneos, muy reales. Paralelo a eso, estaba la posibilidad de volver a trabajar juntos.

—Y en el caso suyo Jorge, con ese abogado que arranca tanta ternura en el público…
—Al leer la pieza, no tuve dudas de qué rol quería. Me pareció que Tomás era algo que me debía, un reto. Me gustó la idea de hacer a este abogado, desequilibrado, que sale del siquiátrico y se hace cargo de la causa de su amigo. Me pareció que Tomás representa formas de individualismo, que nos protejen para que el resto no sepa demasiado de nosotros.

—Hugo, qué tal el rol de Martín, el empresario teatral arrogante y hasta perverso…
—Bueno, no me quedaba mucha elección… Paula eligió ser la Rusa (¡ja,ja!). Cuando vimos los papeles me pareció lógico interpretarlo, ¡no sé por qué! Creo que para darle un aspecto, un carácter que yo no he recorrido, y qué mejor que intentarlo con este grupo, donde uno se equivoca tranquilo. Si cometes un error, no viene la guerra, ni el desprecio, sino una cuota de ayuda. Martín representa la soledad profunda que existe en la sociedad y que nos lleva a actuar como aves de rapiña. Expone nuestras fragilidades.

—Paula, su rol de prostituta rusa viene a poner un poco de distensión…
—Quiero aclarar que este papel me llegó por audición. Es un mérito de los actores, de la producción y del director aceptar que alguien desconocido se una a un grupo ya formado. Tuve esta maravillosa oportunidad, mi personaje marca la presencia femenina. Tuve que aprender un poco de ruso, me gusta mucho hacerlo.

—Jorge, esta es una pieza que retrata la amistad masculina, pero fue escrita por una mujer…
—Baraka trata de vínculos, de cuatro conexiones multiplicadas. En ellos pesa mucho el inicio, cómo fue la primera etapa de conocimiento con el otro. Me da la impresión de que la obra habla del paso del tiempo, de lo que sucede a cada uno de los integrantes y de cómo ese tiempo va modificando la relación entre ellos. Pero fundamentalmente se trata de nexos humanos, que tienen que ver con la amistad masculina, que es tan especial y muy diferente a la femenina. Posee una mística única y aunque acá no se va a descubrir la piedra filosofal, sí echa luz sobre los pros y los contras de tener ciertos amigos.

—Darío, leí que había risas del público en momentos en que ustedes no las esperaban…
—Lo que nos pasó con esta obra es que al momento de leerla, a todos nos pareció divertida y con mucho humor. Cuando la empezamos a ensayar dudamos que alguien pudiera reírse. Ya en el estreno, la gente se divirtió y mucho, pero a nosotros nos sorprendió que se reían en el momento en que no correspondía, pero luego siguió siendo así y nos acostumbramos. El temor era que la obra fuera pesada, tensa y es fantástico ver que en otros países la gente se conmueve y lo pasa bien.

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