En una temporada cargada al teatro, el revival del género musical tendrá una superproducción que costó más de un millón de dólares. El Mago de Oz recorrerá Chile en enero y febrero.

Felipe Rí-OZ. Así firma por estos días —muy entusiasta— el actor que lidera, desde la silla de director, una de las producciones musicales más ambiciosas de la temporada: El Mago de Oz. Con un presupuesto que supera el millón de dólares, la historia de la mágica travesía de Dorothy llega a escena con un tratamiento que mezcla lo teatral con efectos especiales en una temporada en que, mundialmente, la industria del entretenimiento se ha embarcado para seguir el camino amarillo.

Mientras en Londres el montaje se alza como uno de los más exitosos del año pasado de la mano de Andrew Lloyd Webber (con reality de la BBC incluido para elegir a su joven protagonista), Hollywood se alista a seducir este 2012 a los niños con una película animada, Dorothy of Oz, que tendrá a Lea Michele (“Glee”) en la voz de la heroína infantil. Para 2013 viene el filme con James Franco (nominado al Oscar por 127 Horas), Oz: The Great and Powerful, que dirige Sam Raimi (de la trilogía Spider-Man), contando la historia del mago.
La entrega chilena es un proyecto que la productora DIF Espectáculos y Comunicaciones viene trabajando desde hace un año con el libro original de canciones, que ya son un clásico gracias a la película que en 1939 protagonizó Judy Garland. La obra llegará al público gratuitamente por la cadena de Mall Plaza en sus centros comerciales de Santiago y regiones desde el 12 de enero al 8 de febrero (www.mallplaza.cl).
“Llevamos más de tres meses ensayando, pero el proyecto partió en febrero pasado. El montaje está bajo las líneas de la licencia que compramos directamente en Nueva York, con algunas pequeñas variaciones nuestras. ¿Por qué El mago de Oz? Porque es una historia que atraviesa a mucha gente de diferentes generaciones. Y porque con DIF queremos seguir explotando el género musical y para eso hay que buscar títulos conocidos, atractivos para el público, que lo eduquen y entusiasmen, para luego traer otras obras”, detalla Ríos.

A LA CABEZA DE ESTA VERSIÓN ESTÁ LA DEBUTANTE MAY SCHUSTER, COMO DOROTHY. La artista, con carrera como cantante jazz pop, será acompañada en escena por nombres más conocidos en el circuito televisivo y teatral como Julio Milostich (El Mago), Gonzalo Muñoz (León), Francisco Gormaz (Hombre de Lata), Daniel Donoso (Espantapájaros), Nicolás Allendes (Tío Henry), Marcela Salinas (Bruja Mala) y Loreto Aravena, quien luego de Los 80 cantará y bailará en el rol de La Bruja Buena.
La selección de actores fue un proceso largo. En septiembre, cual show de talentos, se llamó a un casting abierto al que acudieron 170 personas. Se inscribían, aprendían la coreografía y la canción para audicionar ante un panel clasificador. El director recuerda: “Hay gente muy talentosa, pero cuesta encontrar a las personas que tengan la mezcla perfecta de las tres áreas: canto, baile y actuación. Y que, sobre todo, hagan todo bien”.
El director enfatiza en que no hay instrucción en el género del musical, “a lo más en las escuelas de teatro te dan una pincelada de canto y baile. Los actores no salen preparados para cantar y bailar de inmediato”. También advierte que hay un complejo entre los artistas hacia este tipo de producciones, “pero cuando los llamas para invitarlos se emocionan y te dicen: ‘Siempre quise hacer un musical’. Obvio, es atractivo porque exige exponer distintos talentos y desarrollar una disciplina de entrenamiento especial de muchas horas diarias”.

Pero el mayor reto era encontrar a Dorothy, el personaje que lleva la historia de principio a fin. “Tenía que ser una persona que tuviera escenario, que contara con carrete, que cantara como los dioses y que tuviera carita de niña”, enfatiza Ríos. “¡Y hallar a May fue un regalo del cielo!”, agrega. La hija de una de sus socias en DIF, Inés María Cardone, conocía a la artista de 29 años. Fueron a verla a un show, la invitaron al casting y se presentó un día antes del llamado general porque tenía que ir a actuar a Buenos Aires. “Llegó con todo aprendido, ¡la vi y era el personaje! De hecho, todavía la tengo grabada en mi teléfono; no borro su audición”, cuenta.
Con este proyecto teatral en marcha, May Schuster relegó hasta abril el lanzamiento de su segundo disco. “Antes había actuado, pero a nivel de hobby. Esto es lejos lo más mportante que me ha tocado hacer. Me emociona mucho la historia de Dorothy. Es una niña muy sola, por eso cuando cantas Over the Rainbow (su tema en la audición) realmente sientes la pena de ella”, dice la protagonista.
Además de tener que hacer el triple juego de cantar, bailar y actuar, Schuster tiene que sortear, casi a sus 30 años, entrar en una sensibilidad infantil: “Para mí se trata de recrear esas emociones tan puras. Ser natural, no pensar tanto antes de actuar, ya que en la niñez una puede tener emociones sin miedo, sin culpa”.

DE ESA MANERA QUEDÓ CONFORMADO EL EQUIPO DE SETENTA PERSONAS que incluye a una banda de 14 músicos (a cargo de Andrés Pérez, quien tocó un solo con Sting en el pasado Festival de Viña) y hasta a un adiestrador y sicólogo de perros —Felipe Brieba—, responsable de la “actuación” de Toto.
Pero una de las apuestas que hace la adaptación chilena de El Mago de Oz está en el aspecto visual. El moderno look del vestuario (el Hombre de Lata viste un traje de chaqueta plateada muy estilosa y León tiene un atuendo apretado con unos agregados peludos largos), diseñado por José Luis Plaza, es una prueba de esto. Elogiado en el musical Tirana, Plaza solucionó un problema no menor del montaje: la participación de mushkins (enanitos). El profesional propuso que actores de talla normal usaran mallas oscuras y llevaran un aparataje con marionetas que reemplazan a esos personajes, en un efecto tipo Teatro Negro.
“La mirada que le damos al musical es más vanguardista desde la puesta en escena porque trabajamos con un animador digital, Chris Klotz. De esa forma los mundos fantásticos de Oz están dados por la videotecnia. Explotamos ese lenguaje en una pantalla de ocho por diez metros que nos va a situar en cada uno de los lugares del viaje de Dorothy: el circuito completo Kansas-Oz-Kansas con ciclón incluido. No queremos adelantar mucho los efectos para que sea sorpresa, pero en ellos también trabaja Cristián Reyes, de Teatro Cinema”, adelanta Ríos.

A LA CABEZA DE ESTA VERSIÓN ESTÁ LA DEBUTANTE MAY SCHUSTER, COMO DOROTHY. La artista, con carrera como cantante jazz pop, será acompañada en escena por nombres más conocidos en el circuito televisivo y teatral como Julio Milostich (El Mago), Gonzalo Muñoz (León), Francisco Gormaz (Hombre de Lata), Daniel Donoso (Espantapájaros), Nicolás Allendes (Tío Henry), Marcela Salinas (Bruja Mala) y Loreto Aravena, quien luego de Los 80 cantará y bailará en el rol de La Bruja Buena.
La selección de actores fue un proceso largo. En septiembre, cual show de talentos, se llamó a un casting abierto al que acudieron 170 personas. Se inscribían, aprendían la coreografía y la canción para audicionar ante un panel clasificador. El director recuerda: “Hay gente muy talentosa, pero cuesta encontrar a las personas que tengan la mezcla perfecta de las tres áreas: canto, baile y actuación. Y que, sobre todo, hagan todo bien”.
El director enfatiza en que no hay instrucción en el género del musical, “a lo más en las escuelas de teatro te dan una pincelada de canto y baile. Los actores no salen preparados para cantar y bailar de inmediato”. También advierte que hay un complejo entre los artistas hacia este tipo de producciones, “pero cuando los llamas para invitarlos se emocionan y te dicen: ‘Siempre quise hacer un musical’. Obvio, es atractivo porque exige exponer distintos talentos y desarrollar una disciplina de entrenamiento especial de muchas horas diarias”.
Pero el mayor reto era encontrar a Dorothy, el personaje que lleva la historia de principio a fin. “Tenía que ser una persona que tuviera escenario, que contara con carrete, que cantara como los dioses y que tuviera carita de niña”, enfatiza Ríos. “¡Y hallar a May fue un regalo del cielo!”, agrega. La hija de una de sus socias en DIF, Inés María Cardone, conocía a la artista de 29 años. Fueron a verla a un show, la invitaron al casting y se presentó un día antes del llamado general porque tenía que ir a actuar a Buenos Aires. “Llegó con todo aprendido, ¡la vi y era el personaje! De hecho, todavía la tengo grabada en mi teléfono; no borro su audición”, cuenta.
Con este proyecto teatral en marcha, May Schuster relegó hasta abril el lanzamiento de su segundo disco. “Antes había actuado, pero a nivel de hobby. Esto es lejos lo más mportante que me ha tocado hacer. Me emociona mucho la historia de Dorothy. Es una niña muy sola, por eso cuando cantas Over the Rainbow (su tema en la audición) realmente sientes la pena de ella”, dice la protagonista.
Además de tener que hacer el triple juego de cantar, bailar y actuar, Schuster tiene que sortear, casi a sus 30 años, entrar en una sensibilidad infantil: “Para mí se trata de recrear esas emociones tan puras. Ser natural, no pensar tanto antes de actuar, ya que en la niñez una puede tener emociones sin miedo, sin culpa”.

DE ESA MANERA QUEDÓ CONFORMADO EL EQUIPO DE SETENTA PERSONAS que incluye a una banda de 14 músicos (a cargo de Andrés Pérez, quien tocó un solo con Sting en el pasado Festival de Viña) y hasta a un adiestrador y sicólogo de perros —Felipe Brieba—, responsable de la “actuación” de Toto.
Pero una de las apuestas que hace la adaptación chilena de El Mago de Oz está en el aspecto visual. El moderno look del vestuario (el Hombre de Lata viste un traje de chaqueta plateada muy estilosa y León tiene un atuendo apretado con unos agregados peludos largos), diseñado por José Luis Plaza, es una prueba de esto. Elogiado en el musical Tirana, Plaza solucionó un problema no menor del montaje: la participación de mushkins (enanitos). El profesional propuso que actores de talla normal usaran mallas oscuras y llevaran un aparataje con marionetas que reemplazan a esos personajes, en un efecto tipo Teatro Negro.
“La mirada que le damos al musical es más vanguardista desde la puesta en escena porque trabajamos con un animador digital, Chris Klotz. De esa forma los mundos fantásticos de Oz están dados por la videotecnia. Explotamos ese lenguaje en una pantalla de ocho por diez metros que nos va a situar en cada uno de los lugares del viaje de Dorothy: el circuito completo Kansas-Oz-Kansas con ciclón incluido. No queremos adelantar mucho los efectos para que sea sorpresa, pero en ellos también trabaja Cristián Reyes, de Teatro Cinema”, adelanta Ríos.

Envíe su opinión sobre este artículo a actualidadcaras@televisa.cl

La emblemática actriz argentina presenta un exitoso y divertido unipersonal sobre el amor, con textos de grandes autores de habla hispana. Ya es una leyenda, con una nominación a los Oscar, incluida. Ha sobrevivido al exilio, a la muerte y a una maestra que le dijo “usted no sirve”.

Sabe que es la actriz más reconocida y querida de su país. Pero quizá por modestia, o a fuerza de haberlo escuchado tantas veces, Norma Aleandro les resta importancia a esos comentarios. Y dice, con ese aire a medio camino entre el señorío y la frescura, que no se siente “ni diva ni estrella”.

A los 75 años y con una carrera larguísima, luce jovial. Lleva una polera marinera, pantalón de buzo negro, sandalias tipo crocs. Está sentada sobre un sofá, en el amplio living de su casa de barrio Belgrano. Acá, además de ella, reinan la madera en el techo y las paredes, y una biblioteca repleta de clásicos y de autores más recientes como los Premios Nobel Orhan Pamuk y Nadine Gordimer.
Cada vez que algo la entusiasma, su rostro expresivo se ilumina bajo una melena frondosa. Por ejemplo, cuando habla de su próximo encuentro con el público chileno. La artista presentará el espectáculo Sobre el amor y otros cuentos sobre el amor, el 3, 4, 5 y 6 de noviembre en el Teatro Nescafé de las Artes, con lo que cerrará la gira que la ha llevado por toda Argentina y otros países del continente.
“Hacer este unipersonal es algo que me pone alegre. Porque me gusta mucho la comedia y el humor”, dice sobre un trabajo que nació en 1975 y que comprende textos de Lope de Vega, Mario Vargas Llosa y Gabriel García Márquez, más otros de su autoría. Y en el que ella, como una especie de Sherezade de Las mil y una noches, engancha un cuento con otro, durante una hora y cuarto.
Distendida, Aleandro comenta que, personalmente, se lleva bien con el amor. Y que está muy enamorada de su marido, Eduardo de Poole, un siquiatra con quien se casó hace 38 años, y con el que antes fueron amigos.
Por este show, en que también recita y canta, acompañada por el guitarrista Oscar Migueles, Aleandro recibió premios como el Obie a la Mejor Interpretación Off-Broadway, en Estados Unidos, y el Almagro de España. Pero ha sido en el cine donde ha conseguido las distinciones más famosas: fue la primera artista de habla hispana galardonada como Mejor Actriz en el Festival de Cannes por la cinta La historia oficial (1985). Y, dos años después, la nominaron a los Oscar y los Globos de Oro como Mejor Actriz de Reparto por Gaby: a true story.
Desde niña tuvo temperamento. Hija de dos actores connotados de la escena argentina, Pedro Aleandro y María Luisa Robledo, Norma parecía destinada a ser artista. Era apenas una mocosa cuando comenzó a actuar en La Pasión de Cristo, una obra que sus padres montaban para Semana Santa. “Papá hacía de Jesús; mamá, de María. Yo hacía del Angel de los Olivos, hasta que a los 11 años me planté y dije: ‘no me pongo más las alas, basta’”, recuerda.
Ella quería ser una actriz profesional, así que a los 13 entró a estudiar teatro al Instituto Moderno de Arte de Buenos Aires. Allí vivió una de las experiencias más traumáticas de su vida. Una profesora francesa, Simone Garmá, llegó a dar unas clases especiales. Durante un ejercicio de improvisación, Norma, que estaba encandilada con la elegancia y el acento de la maestra, hizo una representación de su propia muerte. En vez de felicitarla, Garmá la increpó: “¿Usted quiere ser actriz? Pues, no sirve”.

La estocada fue tan brutal que Aleandro hasta pensó en suicidarse. Y tardó años en recuperarse de aquel momento. Pero el tiempo no pasó en vano y la muchachita que había sido tratada con desdén se convertiría en la actriz más respetada de su país, en todas las áreas: teatro, cine y televisión. En las tablas daría vida a personajes emblemáticos como Medea, Hedda Gabler y La Señorita de Tacna. También actuaría en Hollywood, al lado de Lee Remick, Anthony Hopkins y Liv Ullmann.
En 1976, con la llegada de la dictadura militar, Aleandro, su esposo y su hijo (fruto de una relación anterior con el actor Oscar Ferrigno) debieron exiliarse en Uruguay y luego en España. La distancia se hizo insoportable. El ’81, cuando los militares todavía estaban en el poder, la actriz volvió con su familia. “Prefería que me pegaran un tiro a estar lejos”, asegura.
Fue un regreso triunfal y al mismo tiempo riesgoso. La cinta La historia oficial, de Luis Puenzo, sobre una profesora que se pregunta quiénes son los verdaderos padres de su hija adoptada, ganó un Oscar a Mejor Película Extranjera, el primero para una producción trasandina. Filmaron con el “coletazo de los últimos días de la dictatura”. Y ella, que había regresado con una amenaza de muerte (porque aunque no era militante, denunciaba lo que ocurría entonces) iba con pánico al rodaje. “Me negué varias veces a hacer el papel, pero también sentía que contar esa historia era como una obligación, porque la mayoría de la gente no creía lo que había pasado con los niños”.

El filme quedó íntimamente ligado a su carrera y a su vida. Otras producciones a las que Aleandro les guarda especial cariño son Sol de otoño (1996), Cama adentro (2004) y El hijo de la novia (2001). En esta última, la exitosa película de Juan José Campanella, ella encarna a una inolvidable madre con Alzheimer. “Era un personaje bien complicado. Al principio, tampoco quería hacerlo, porque no me parecía que hubiera que poner un papel tan triste en una comedia. Pero funcionó”, señala.

Hace unos meses terminó el rodaje de La suerte en tus manos, de Daniel Burman (El abrazo partido, Dos hermanos), que se estrena en 2012. Una comedia romántica que marca el debut “acertado”, según Aleandro, del cantante uruguayo Jorge Drexler como actor, en la piel de un cuarentón adicto al póquer, que se reencuentra con una ex novia. Norma es la madre de esta chica, con quien tiene una relación mala y extraña. “Soy un personaje siniestro, que no tiene empatía y pasa por encima del otro”, detalla. El próximo año, la actriz también volverá al teatro con una reposición de Master Class, una pieza de Terence McNally que ya encarnó en 1996 y donde interpreta a María Callas.

Su vida ha tenido los ingredientes de los de una star. Por ejemplo, estuvo varias veces cerca de la muerte. En 1976, le pusieron una bomba lacrimógena afuera del teatro donde acababa de estrenar Sobre el amor y otros cuentos sobre el amor. Esa misma noche, otra bomba, esta vez explosiva, estalló en su edificio. Luego le dieron 24 horas para salir del país. Y así partió al exilio.
En otra ocasión, un sicópata la amenazó con un taladro. Y también tuvo un paro respiratorio durante el parto de su hijo.
Esa vez pensó que no viviría para contarlo. Y, sin embargo, aquí está, riéndose de ello, en el papel de la gozadora que dice ser. Una enamorada de la vida, como ella misma ha declarado.

En otra ocasión, un sicópata la amenazó con un taladro. Y también tuvo un paro respiratorio durante el parto de su hijo.
Esa vez pensó que no viviría para contarlo. Y, sin embargo, aquí está, riéndose de ello, en el papel de la gozadora que dice ser. Una enamorada de la vida, como ella misma ha declarado.

Envíe su opinión sobre este artículo a actualidadcaras@televisa.cl

Póximo a jubilar y a cerrar su teatro, el humorista se siente ‘aterrado’ por la escasa adhesión ciudadana al mundo político. Para él los nuevos líderes están en las calles y el personaje que mejor representaría al Chile de hoy sería un abogado. Todo, mientras aún espera recibir el Premio Nacional de Teatro.

Alejandro Javier González Legrand (64) vive una doble cuenta regresiva. En menos de un año jubilará y deberá entregar su Teatro Circus OK. El recinto —que inauguró en 1990 y donde hoy presenta el espectáculo Terrícolas, corruptos pero organizados— fue vendido a una empresa inmobiliaria y será demolido. El plazo de entrega fatal también está claro: 31 de julio de 2012. Mientras tanto, el humorista no sabe bien qué destino tendrá la veintena de personas que trabajan en el lugar, las motos que se reparten por el espacio y toda la instalación técnica de un complejo de primer nivel.

“Yo nunca lo puse en venta. Me ofrecieron comprarlo. La razón principal por la que acepté es que estoy a un año de mi jubilación y me pregunté cuánto tiempo más podía sostener una mochila como ésta. ¿Cuatro? ¿Cinco años? No lo sé…”.

Pero Coco advierte que no dejará de emprender. De hecho, compró una oficina en Apoquindo, donde instalará su nuevo cuartel general. Desde allí ofrecerá espectáculos a la medida. “Seremos como un sastre. Preguntaremos dónde y cómo lo quiere. Haré un delivery del Coco Legrand”, dice. Incluso, ha estado evaluando la posibilidad de adquirir una carpa de última generación, ojalá italiana, para moverse de manera itinerante.

“También existe la idea de asociarse con algún mall o un casino”. Pero nada está aún decidido y por eso Legrand evalúa entre distintas opciones para un momento clave en su vida.

—¿Difícil enfilar rumbo a los 70 años?
—Son cambios fuertes. Todo se transforma en cansancio y es más lerdo: vista, piernas y espíritu. Pero si fuesen sólo cosas negativas ya estaría con un disparo en la sien.

—¿En Chile a quién observa?
—A la gente joven, por ejemplo el Club de la Comedia. Y he dejado un espacio de mi tiempo para estar con jóvenes, visitar colegios y universidades. Aprendo mucho de ellos, de la manera que tienen de ver las cosas.

—A propósito de jóvenes, ¿cómo ve las movilizaciones sociales que enfrenta el país?
—Claro que me preocupa. Es necesario que existan cambios sustantivos. La sociedad nunca había tenido tanta presión como la que soporta hoy. La gente está agobiada, hay desconfianza permanente y todo eso es peligroso. ¿Quién defiende de tanta mentira, de tanto engaño y de la coima? Hemos estado sometidos a miedos permanentes: que se desploma la bolsa, que el 2012 se acaba el mundo… Ya no confiamos ni en la sombra. Primero yo, segundo, yo y tercero mi sombra.

—Alguna vez representó al país con personajes como el Lolo Palanca o el Cuesco Cabrera. ¿Qué estereotipo reflejaría el Chile de hoy?
—Ufff, fuerte la pregunta… (Después de pensar un rato retoma la palabra). Un abogado. Hoy todo está en pelea, en disputa y en litigio.

LE HA COSTADO HACER HUMOR NEGRO, tampoco es de chistes religiosos. “Esto es como ser médico: algunos de ellos prefieren no ser cirujanos”.

—¿Acaso usted no es un cirujano del humor?
—Bueno, creo que sí. Pero hablo lo que me gusta decir. Lo importante es que debe existir un sentido de ubicación, estar pegado en la línea. Si uno se pasa de ese límite, genera tensión, lo que no es bueno. El fin en mis espectáculos es la entretención y la distensión. Y ese equilibrio es un tema complicado.

—¿Es complejo porque a usted no le gusta hacerlo o porque el público chileno no lo recibe de buena manera?
—Hay de ambas cosas. Los chilenos aguantan algunas cuestiones y otras no.

—¿Qué no aceptan?
—Por ejemplo, ciertas dudas frente a lo político. En el espectáculo que estoy presentando trato el asunto de una manera límite. Un milímetro más y ya no se soportaría.

—Lo extraño es que, cuando hace referencias políticas, el público suele celebrarlo de manera especial…
—Así es. Pero lo importante es que esté dosificado. Me gusta el azúcar, pero no soporto más de dos cucharadas en un café. Mira, al final, si milito, me limito. Y yo debo tener amplitud para poder decir de todo y a todos. Lo que debo hacer es pegar un remezón al público, pero la determinación final la deben tomar ellos mismos.

—Usted habla permanentemente de la confusión que se vive en el país, de todos los cambios que se han generado en los últimos años. ¿Qué elemento le parece el más notorio en este nuevo Chile?
—Hay varios: el idioma, los dichos, la tecnología, la gente… (Entonces, mira por la ventana del tercer piso de su oficina y retoma la conversación). Basta mirar los edificios y su oferta de departamentos de uno y dos dormitorios. Ya no existe el living de la casa, que era el espacio donde compactábamos los cariños. Yo no podría haber vivido en un ambiente. Pero parece que a los jóvenes eso les gusta.

DICE QUE ESTÁ ‘ATERRADO’ ANTE LA ESCASA ADHESIÓN que exhibe en las encuestas el mundo político. Pero no por ello deja de ser severo: “Los partidos políticos no representan a nadie, sino a ellos mismos. ¿Y los votos? Los obtienen, pero no les pertenecen”. Sin embargo, a la par de la dura crítica que hace, Legrand muestra cierta indulgencia. Dice: “A la gente le da con atacar a los políticos, ¿pero de dónde creen que caen? ¿Del cielo? ¡No! Llegan de familias chilenas, educados en colegios y universidades chilenas. Y eso es lo mejor que podemos mostrar. No hay más. Es lo que produce nuestro país. Ellos y nosotros”.

—¿Dónde cree que están hoy los nuevos líderes de los chilenos?
—En las calles, gritando para producir cambios. Ahí están.

—¿Qué le pasa cuando ve al Presidente?
—Siento que trata de hacer bien las cosas y que se entrega a lo que hace. Ahora, la percepción de la gente puede ser otra, como lo muestran las encuestas. Pero más que a su persona, puede que el tema tenga que ver con las decisiones que ha tomado. El trata de ser cercano, se nota el esfuerzo, pero es algo que le cuesta. Muchas veces es más importante la actitud que la aptitud.

Aunque no estudió actuación, Legrand siente que su trayectoria perfectamente lo haría merecedor del Premio Nacional de Teatro.

El mismo lo explica: “Lo mío es una representación permanente sobre el escenario. Además, monté una sala que se entregó por completo a la entretención. Por lo demás, un país que luchó tanto por los derechos humanos debe entender que uno de los derechos más humanos más importantes es el de la diversión”.

Envíe su opinión sobre este artículo a actualidadcaras@televisa.cl

El Teatro NESCAFÉ de las Artes prepara una potente parrilla dieciochera. Tres clásicos del teatro: La pérgola de las flores, La negra Ester y Un circo diferente. Cinco mujeres —protagonistas en distintas épocas— de estas obras hablan de tablas chilenas, TV y el poder de los roles femeninos.

Cae la tarde y en una mesa grande del restorán Normandie se reparten tres té, una agüita y un café cortado. En una tertulia que ha empezado con datos de nutrición y rejuvenecimiento, las actrices Nelly Meruane, Carmen Barros, Silvia Santelices, Claudia Pérez y Rosa Ramírez pronto se sumergen en aguas teatrales.

Unos metros más allá del local, el Teatro NESCAFÉ de las Artes prepara la programación cultural de Fiestas Patrias que considera la puesta en escena de clásicos como La pérgola de las flores (del 8 al 10 de septiembre), La negra Ester (entre el 15 y 19) y la obra familiar del recordado Andrés Pérez, Un circo diferente (17 y 18).

Las cinco actrices están relacionadas con estos éxitos de las tablas criollas. Mujeres con largo recorrido, curtidas y críticas, repasan el actual momento del teatro chileno, además de las obras y papeles con los que construyeron y cimentaron buena parte de su reputación.

Silvia Santelices (SS), que dirige y actúa en ‘La pérgola de las flores’, abre el debate sobre el rol de la mujer en la actuación: “Tengo la impresión de que antes existían más protagónicos femeninos”.

Interviene Nelly Meruane (NM): “No veo gran diferencia. Lo que pasa es que hoy existe más teatro. Se ha multiplicado como las callampas después de la lluvia”.

—Claudia Pérez (CP): A mí me parece que es el lenguaje dramatúrgico el que ha cambiado. Hoy las obras son más de imágenes, posmodernas. Por eso es que los papeles potentes, como la Carmela o la negra Ester, se han diluido un poco.

—Carmen Barros (CB): Lo que en realidad habría que preguntarse es si los dramaturgos están escribiendo roles atractivos para las mujeres. De todas maneras, creo que hay más protagónicos para los hombres. Existe cierto temor a escribir personajes femeninos fuertes e interesantes.

—Rosa Ramírez (RR): Siento que los dramaturgos han sido poco generosos para hablar sobre la sicología y el mundo de la mujer. Es un poco desbalanceado respecto de lo que efectivamente sucede en una sociedad que está marcada por el matriarcado. Lo bueno es que hoy ellas están escribiendo%

Un alumno en un colegio católico. Ese es el candente punto de Protocolo, obra escrita por Lucía de la Maza y dirigida por José Luis Bouchon.

La puesta en escena de la compañía Teatro Nómade aborda los escándalos sexuales en que se ha visto envuelta la Iglesia. Y muestra cómo —en distintos niveles— tres sacerdotes enfrentan el terrible conflicto, usando su influencia para silenciar las denuncias.

Protocolo. Teatro Sidarte (Sala 2). Desde el 25 de Agosto al 15 de Octubre. Jueves, Viernes y Sábado, 22 horas. Entradas, $ 5.000 General, $ 3.000 Estudiantes y Tercera Edad. Jueves 2×1. Ernesto Pinto Lagarrigue 131, Barrio Bellavista.

Envíe su opinión sobre este artículo a actualidadcaras@televisa.cl

Con una tragicomedia de dos actos, el Teatro Nacional Chileno celebra su nuevo aniversario: Esperando a Godot, de Samuel Beckett. Esta obra —teatro francés de la posguerra,estrenada en 1953— se asocia al teatro del absurdo y al existencialismo. Habla de dos andrajosos vagabundos que esperan inútilmente a un tercer hombre… Aparecen otros personajes y un niño que les avisa: Godot no viene hoy, mañana seguro que sí, lo que nunca ocurre… El montaje tiene momentos de comedia que recuerdan a Chaplin y escenas adaptadas de los Hermanos Marx.

DIRECCIÓN RAÚL OSORIO. SALA ANTONIO VARAS. Jueves a sábados, 20:00 HORAS. ENTRADA GENERAL, $ 6.000; ESTUDIANTES Y TERCERA EDAD, $ 3.000. MORANDÉ 25. teléfonos 977 1701 y 977 1690.

Envíe su opinión sobre este artículo a actualidadcaras@televisa.cl

‘Voyageurs inmobiles’ es la apuesta de uno de los directores más importantes del teatro francés contemporáneo… En junio Santiago será testigo de esta innovadora obra. Hablamos con los directores y protagonistas.

Un francés inquieto, un viaje en citroneta y el desierto infinito. Tres elementos que sirvieron de referencia para que Philippe Genty, uno de los directores más importantes del teatro contemporáneo, diera forma a ‘Voyageurs inmobiles’ (Viajeros inmóviles), una pieza aclamada por la crítica internacional que se presentará en Chile sólo por cuatro días —a partir del 30 de junio— en el Teatro Nescafé de las Artes.

Todo comenzó entre los años 1962 y 1966; período en el que Genty recorrió 47 países y ocho desiertos. Las vivencias, reflexiones, recuerdos y memorias de este francés casado con la también directora Mary Underwood, le sirvieron para desarrollar una apuesta marcada por el teatro físico, los movimientos y la ausencia de las palabras. En lugar de texto, Genty ofrece improvisación actoral, danza, marionetas y una puesta en escena tan prolija como amigable que invita al espectador a dejarse llevar por su propia imaginación.

Cartones, cartulinas, cajas y plásticos conforman la escenografía. Su troupe de actores —venidos desde Italia, Australia, Japón, Argentina, España, Francia, Haití y Líbano— siente devoción por su lenguaje, genialidad y propuesta estética. En total son cuatro hombres y cuatro mujeres los que se sumergen en este desierto de papel.

“Durante mi gira mundial (entre 1962 y 1966) con mi pequeño Citroën 2CV (citroneta) crucé muchos paisajes, pero la inmensidad del desierto me detuvo el tiempo. Me sentía inmóvil, y al mismo tiempo enriquecido por el sentimiento interno de viajar, como si este recorrido fuera también un camino para explorar mi propia mente”, recuerda Philippe Genty desde Francia.

Este sentimiento de paradoja fue muy inspirador. “Uno puede parecer inmóvil, y al mismo tiempo estar explorando el universo propio, lleno de miedos, obsesiones, deseos, vergüenzas y frente al abismo de cicatrices escondidas. El viaje interior lleva a los intérpretes a lugares inexplorados, lo que a veces es muy doloroso. Esta pieza fue creada, con mis memorias del desierto, donde el escenario no cambiará hasta el fin de los tiempos. Los personajes durante su marcha son confrontados con sus conflictos que van desapareciendo, gradualmente, en la eternidad de este paisaje”, agrega.

Cuenta que antes de comenzar un guión se apoya en dibujos. “Para esta obra tuve mis vivencias, sueños y los de Mary (su mujer). Quería construir el espacio escénico con papel (para envolver, Kraft, plástico y cartones). En el texto dejé muchas puertas abiertas, sabiendo que cuando comenzáramos a experimentar con materiales crudos, los integrantes de la compañía, Mary y yo, tendríamos que escuchar y observar hacia dónde querían guiarnos estos elementos. También trabajamos la improvisación con los actores y bailarines, ése es otro momento para cambiar ciertas cosas. Por eso, estoy constantemente reescribiendo la obra hasta el último momento”, confiesa Genty.

A la británica Mary Underwood —su mujer y la codirectora de Voyageurs inmobiles— la conoció mientras ensayaba con un grupo en Barcelona hace 43 años. Ella recuerda: “Estuve ahí sólo por cuatro días y volví a Montecarlo. Pero algo hizo click entre nosotros. Seis meses después me encontraba haciendo una parada en París de camino a Inglaterra. Nos vimos con Philippe, y decidí quedarme”.
Como Underwood era bailarina, fue entrenada en el arte de la manipulación de objetos y marionetas antes de meterse en este movimiento teatral que combina objetos y actores. “Desde entonces introdujimos bailarines para acompañar a nuestros actores. Con eso nuestra investigación y búsqueda podía llegar incluso más lejos”, explica ella.

Pierrik Malebranche, formado en la escuela de circo de Annie Fratellini, es uno de los actores de esta obra y entrega algunas luces de cómo puede ser entendida la propuesta de Voyageurs inmobiles. “El teatro de Philippe Genty no puede ser definido como teatro tradicional y eso vale para la construcción de los personajes. En la obra, soy parte de un grupo que está haciendo un viaje a través de atmósferas que son o pueden ser metáforas de paisajes interiores”.

LA OBRA ES UNA OSADA PROPUESTA. Durante una hora y media la interpretación gestual y corporal de los actores mantiene la atención del público. Por esa razón, los ensayos pueden llegar a durar diez horas diarias. En ocasiones este tipo de apuestas corren el riesgo de pasar por demasiado elevadas o crípticas para la masa. Malebranche piensa distinto: “En la gira por Francia los públicos eran muy populares y aunque la dramaturgia los sorprendió, se entretuvieron con la obra sin problema. Para mí no hay duda de que la gente tiene la capacidad de echar a volar su imaginación. En los encuentros que hicimos pudimos ver la riqueza de las interpretaciones y, a veces, después de una frase del tipo ‘no entendí nada’, se desarrollaba una lectura de la obra muy interesante y pertinente”.

El actor confirma que el proceso de escritura de las obras funciona como un intercambio entre las propuestas de Genty y las de los actores. “Cuando empezamos a ensayar, la obra está escrita, pero Philippe dirige improvisaciones con elementos de la escena. Así tenemos la posibilidad de proponer interpretaciones personales, de hacer asociaciones de ideas sobre un tema. Si las propuestas le convienen, modifica su texto e incluye las fantasías de los actores. A pesar de todos los aportes, las obras tienen una coherencia e identidad muy fuerte. Probablemente porque Philippe sabe cómo hacernos entrar en su universo”.

Envíe su opinión sobre este artículo a actualidadcaras@televisa.cl

De toque a toque. Así era la fiesta de los fluorescentes ’80. Gracias al toque de queda, nadie se podía ir, así que había que pasarlo bien nomás. Un ‘hábito’ que continuó incluso con el retorno a la democracia, cuando la farra —así llamaban entonces al carrete— partía temprano, pero nunca se sabía cómo iba a terminar… La elite se congregaba en restoranes como el Charles de Plaza Perú, El Parrón, el Jacarandá o el Da Carla de MacIver, apenas para encender la noche. “La discotheque Eve, de Andrés Muzard, era furor. Y junto con la JJ figuraban siempre llenas… Como había menos autos, salíamos varias parejas juntas y esos lugares eran el punto de encuentro. Nunca vi mujeres que llegaran solas a bailar, era raro”, relata Paz Valenzuela, figura top de la vida social de aquel entonces. Marta Montt en las portadas de Vogue y Life, junto a Raimundo Larraín —quien trabajó con el Marqués de Cuevas ideando los suntuosos trajes de su compañía de ballet en París— eran los referentes más internacionales de una buena parte de la sociedad para saber a dónde ir y con quién juntarse.

Años que marcaron también la aparición de las nuevas galerías de arte, como las de Patricia Ready e Isabel Aninat, quien recuerda: “Más que grandes cocteles o carretes, lo que importaba era la aventura que rodeaba al mundo del arte. La gran mayoría de las expresiones de la época eran de carácter rebelde. A las inauguraciones llegaba mucha gente y de mundos muy diferentes; empresarios, punks, artistas y estudiantes. Las galerías eran un refugio para todos los que queríamos algo distinto, una instancia para hablar, para expresarse”, relata mientras evoca el revuelo causado por los artistas chilenos recién llegados del exilio, como Juan Downey, Guillermo Núñez, Mario Toral, Juan Pablo Langlois y Bruna Truffa, que revolucionaron con sus técnicas y temas. Otra galerista de la época y todo un referente por aquellos años, Lili Lanz, recuerda el hito que provocó la exposición del alemán Wolf Vosstel. ¿Los favoritos de entonces? Cienfuegos, Aldunate y Lira.

Envíe su opinión sobre este artículo a actualidadcaras@televisa.cl

“Este es un proyecto en el que volvimos la mirada hacia un pasado en el que ocurrieron cosas sabidas por muchos, pero que por sabidas se callan, y por calladas se olvidan”, comenta Santa Cruz. Acucioso y perfeccionista, no sólo realizó una larga investigación sobre su mítico tío, sino que llegó a extremos impensados para meterse en el personaje: “Para lograr la miopía de Jaime –con la ayuda del médico de ojos de la familia, el doctor Claudio Yaluff– aprendí a usar lentes de contacto graduados -6,5 y delante de ellos me puse los anteojos característicos con aumento +6,5. De esa manera se neutralizó la visión y pude ver bien a mis colegas en el escenario”, confiesa.

Un selecto grupo de actores es parte del elenco. César Caillet, en una notable actuación, encarna a La Muerte, que junto a otros personajes importantes en la vida del senador, son los alumnos de aquella última clase en la Universidad Católilca. En escena se ve su madre y padre, quienes revelan la complejidad de su núcleo familiar. Jaime baila un tango con el ex Presidente Jorge Alessandri, se enfrenta al General Mamo Contreras y cocina un strogonoff con Augusto Pinochet. Constantemente, La Muerte, interpela al protagonista, abriendo el debate sobre los principios políticos y valores personales del senador.

La dirección y dramaturgia son de Mateo Iribarren, quien además interpreta al padre del parlamentario. Sin duda se realiza una revisión fiel a la vida de Guzmán, que incorpora situaciones familiares, personales y políticas, gracias a la documentación exhaustiva que se realizó y que les permite reflejar las innegables características de Guzmán: por un lado su inteligencia y defensa de ideales hasta la muerte, como también sus contradicciones. “Un Jaime Guzmán profundamente humano… ni endiosado, ni demonizado. Mostrarlo con sus debilidades, defectos, pero también con sus aspectos más valiosos como el compromiso y la valentía”, agrega Santa Cruz.

Ignacio, la obra tiene un toque de comedia inesperado, sobre todo en la parte en que cocina con Pinochet. ¿Cómo se pensó esa escena?
–Jaime era un hombre inteligente, de clase alta, aristócrata, pero de vida austera. Augusto Pinochet era más primitivo, huaso, ladino y para algunos, casi iletrado. Lo único que quiere el general es seguir gobernando, mientras que Guzmán le señala que hacer una Constitución es más fácil que cocinar un strogonoff.

–Al enfrentar ficción y realidad se permiten licencias como cuando La Muerte le revela a Guzmán que un Piñera llegará a la presidencia de Chile, en un par de décadas.

–Hay una breve alusión, pero está puesta más que nada con humor. De todas formas a Guzmán no le gustaba Piñera.

–Es evidente el fuerte trabajo de preparación. ¿Cómo fue el proceso?
–Durante mucho tiempo revisé el archivo fílmico de Jaime, además pasé largas temporadas en Valparaíso para lograr el personaje. Incluso, en la caracterización física, un profesional de Kramer Producciones me ayudó con la prótesis dental superior de Guzmán y me asesoré con un estilista para acercarme a la calvicie que tenía.

–¿Qué diría Jaime Guzmán si viera la obra?
–Estaría orgulloso de ver cómo nos atrevemos hablar de él. Es un proyecto que nos tomamos muy en serio, y en el que hemos intentado ser muy respetuosos, pero a la vez valientes para tocar los temas más peliagudos. Todos los que participamos, hemos tratado de ponerle harta cabeza y corazón, e involucrarnos con gran honestidad. Y creo que ese espíritu se nota en el resultado porque la respuesta del público ha sido realmente muy buena. Se entretienen, emocionan y se van del teatro conversando sobre lo que vieron.

Ficha técnica Guzmán

Hasta el 15 de junio

Teatro Bellavista (Dardignac 0110)

Reservas al 7352395

Horario Jueves a sábado a las 21 horas, domingo a las 19, hasta el domingo 15 de junio

Precio $10.000 general, $7.000 estudiantes y tercera edad.

Santa Cruz Producciones presenta “Guzmán”

Dramaturgia y dirección Mateo Iribarren

Elenco Aníbal Reyna, Patricia Velasco, Mateo Iribarren, Andrea Freund, Christian Zúñiga, César Caillet e Ignacio Santa Cruz.

Presenta: Santa Cruz Producciones

Envíe su opinión sobre este artículo a actualidadcaras@televisa.cl

La voz de Tito Losada, el gran músico gitano se oye ronca, aguardentosa, emocionada… Y cómo no, si Misa Flamenca, la monumental obra que ahora trae al Teatro Nescafé de las Artes, es nada menos que el resultado de un milagro.

“Yo era ateo, pero hace siete años alguien en mi familia enfermó gravemente; me dijeron que sólo Dios podía salvarlo, porque era algo muy complicado, de vida o muerte… El me demostró que estaba ahí e hice la promesa de devolverle la mano a través de mi música y mi cultura gitana, que es lo único que poseo. Estoy pagando una deuda con Dios”, dice este hombre, quien ya ha recorrido medio mundo con la obra, y que cuenta entre sus créditos haber trabajado con el cineasta italiano Franco Zeffirelli, además de tocar en pleno Kensington Palace para la familia real de Inglaterra y en el Carnegie Hall de Nueva York junto a Sting, entre algunos de sus más importantes hitos.

Durante tres años se dedicó a traducir al flamenco una misa tradicional. Y el resultado es esta espectacular versión de la liturgia católica. “Yo no sé escribir música; los gitanos tocamos de oído, así es que tomaba la guitarra y otros me iban haciendo las partituras; fue un tiempo en que aprendí cómo hacer una misa y entender el porqué de las cosas”.

No es primera vez que Tito se aproximaba a esta experiencia. “Compuse otra misa hace varios años, pero los músicos se quedaron con ella y los derechos… Eso me pasó por confiar. Ahí dije que, cuando pudiera, volvería a hacer la mía”.

Sumó a la puesta en escena una sinfónica, la orquesta gitana y un coro. “Le di un buen apretón de tuercas”, reconoce. El resultado es una obra que funde el flamenco con la cultura tradicional católica, donde el kyrie, la gloria, el credo y el Padre Nuestro se convierten en tangos, soleá, bulerías, fandangos, saetas y alegrías.

La vocación ancestral del flamenco se une a los cantos de Dios, desde sus sollozos árabes hasta su consonancia con lo religioso. “Hay amarguras, penas, lamentos, tristeza, alegría… Es como estar en una iglesia en plena alabanza, porque es una misa completa. El público, creyente o no, se entusiasmará con este concepto de unidad entre arte y religión”, agrega Losada.

La obra se presentó en el Teatro Gran Vía de Madrid y luego de itinerar por España llega a Chile este 21, 22, 23 y 24 de abril. La puesta en escena será junto al coro y orquesta de la Universidad de Santiago, además de 16 personas, entre músicos y bailarines. El destacado bailaor Antonio Canales interpretará el Padre Nuestro.

“A veces la gente se muestra extrañada. ¿Cómo es posible que un grupo de gitanos realice un rito sagrado sin presencia de un cura?… Yo fui ateo y tengo a diario mi comunión con Dios; no hace falta ir a la iglesia a limpiarse los pecados…”, dice Tito Losada, quien reconoce que con esta obra ha encontrado resistencias: “Nos hemos presentado en iglesias y catedrales; el 2009 estuvimos frente a 30 mil personas en la plaza de Bolívar, Bogotá; y el 2010 en la Catedral Metropolitana del DF mexicano. Es una misa tan bonita, la gente se transporta, llora de emoción, algo que no cualquiera consigue. Eso a los párrocos no les gusta. Tal vez nos ven como una competencia, ¡y yo no quiero competir con nadie!”.

Envíe su opinión sobre este artículo a actualidadcaras@televisa.cl