La sola defensa de esa tesis lo convierte en un militante antisistémico, contrario al marketing, el lobby y la especulación en la compra-venta de jugadores. Así, lo que empieza como una película deportiva termina siendo una cinta sobre la actual crisis del capitalismo y retrata a Beane como un “indignado”.

EEUU, 2011. Director: Bennett Miller. Con Brad Pitt y Jonah Hill. 133 minutos.

>Trailer:

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Largas sesiones frente al espejo, y no precisamente por vanidad, pasó Keira Knightley (26) antes de filmar Un método peligroso, la comentada cinta que aborda el inicio del sicoanálisis y donde encarna la máxima expresión de la histeria. Debía explorar la locura mirándose por horas, hasta encontrar los gestos precisos. Fue un viaje profundo, incómodo y sexual —bajo la batuta de David Cronenberg, el mismo de Crash y Promesas del Este)—, donde la actriz develó su lado más animal, gruñó como perro rabioso e, incluso, protagonizó escenas de sadomasoquismo.
En esta película, la estrella de Piratas del Caribe, Orgullo & Prejuicio y Expiación vuelve a los trajes de época para dar vida a Sabina Spielrein, una aristocrática joven rusa diagnosticada con una histeria —de manifestaciones violentas— que llega al hospital y es atendida por el siquiatra Carl Jung (Michael Fassbender). Culta y curiosa, empieza a desafiar al médico, quien informa los avances del caso a su mentor, Sigmund Freud (Viggo Mortensen). No pasa mucho hasta que especialista y enferma avanzan a un plano íntimo y sexual, con azotes de castigo-placer en el dormitorio.
Knightley no teme a revelar todas sus experiencias durante un rodaje. Honesta en lo que entrega en el set y, también, de opiniones francas ha alcanzado titulares al no seguir el juego de la industria, como cuando se rió por la prensa de los publicistas de su película Rey Arturo, que aumentaron notoriamente su busto en afiches promocionales. En contraste, no cede en guardar su privacidad. A inicios de 2011 rompió una relación de cinco años con el actor británico Rupert Friend (La joven Victoria) y hoy está con el rockero James Righton, de la banda independiente The Klaxons.

KEIRA HACE CLARA APUESTA EN SU CARRERA, ya que en esta producción se entrega sin reparos a la siempre oscura mano de Cronenberg y debe estar al nivel de expectativas de un papel demandante que, en principio, iba a ser para Julia Roberts.
—¿Cómo fue el proceso de las escenas de sexo?
—Mi agente me envió el guión y dijo “David Cronenberg quiere ofrecerte una película”. ¡Grité de emoción! Luego, cuando me contaron que se trataba de un libreto de Christopher Hampton salté de alegría porque él adaptó Expiación. Partí leyendo, todo era extraordinario; entonces vi esas dos escenas (de sexo)… Pensé que la cinta era fascinante, pero no creí poder —o querer— filmar esas tomas. Tuve en cuenta las cosas que después rebotan en internet y no deseaba encontrarme en la web. Hablé con David y le dije: “Mira, creo que eres maravilloso y el guión es espectacular; realmente quiero estar en la película, pero no sé si pueda”. Me respondió: “Bueno, sería una tragedia que no tomes el proyecto a causa de eso. Si de verdad  no quieres hacer esas escenas podríamos sacarlas o llevarlas a cabo de una manera en que te sientas cómoda”. Después leí las páginas y me cuestioné: “¿Voy a hacer que corten esto?”. Y cambié, pensando que era muy importante que esas escenas estuvieran porque dan cuenta de quién es mi personaje. Cuanto más comprendía a Sabina, más cómoda me sentí.
—¿Desde el inicio se trató de escenas difíciles?
—Bueno, eran fascinantes. Todo era fascinante. Con aquellos personajes que son complejos uno puede buscar en características similares y experiencias propias para entenderlos, pero con Sabina no había nada en común. Yo no tenía ningún fragmento de experiencia similar a la de ella. Nada. Así es que llamé por teléfono a Christopher y le dije: “¡Socorro! ¡Ayuda! ¿De dónde sacaste la idea? ¿Qué usaste para elaborar a Sabina?”. Creí que iba a llegar a su casa para tener una amena conversación pero, en vez de eso, me dio una enorme pila de libros y me ordenó que los leyera. Lo hice. David (Cronenberg) hizo lo mismo, por lo que también conocía el proceso de pensamiento de Sabina. A través de todos esos textos me abrí camino hacia quién era ella. Había una lógica completa en la forma en que se comportaba, en sus movimientos, en las reacciones que tenía ante algo.
Agrega:
—El libro Sabina Spielrein, La pionera olvidada del sicoanálisis, de dos sicoanalistas compila material de ella: su tesis, los documentos que escribió, su diario, el intercambio de cartas con Jung, además de los apuntes de él. Obviamente, un  registro increíble y lo utilicé mucho. En gran parte de las notas —y también en el guión— decía: “Devastada por ticks y ataques histéricos”. Entonces me pregunté, ¿qué es eso? Los especialistas me dijeron que podía englobar casi todo y como David quería un montón de primeros planos, debía reflejarlo en mi cara. En algún lugar de su diario Sabina escribió que se sentía como un demonio o un perro. Pensé que eso era un punto interesante para partir, desde una cosa física, de lo demoníaco. También los analistas apuntaron a que estos ticks y comportamiento compulsivo eran una manera de liberar las emociones.

NO SON LAS PRIMERAS ESCENAS ÍNTIMAS EN PANTALLA. Aunque Keira partió actuando en la adolescencia (de culto es su trabajo de doble de Natalie Portman en la precuela de Star Wars), no demoró en realizar tomas atrevidas. Así esta nominada al Oscar se transformó rápidamente en sex symbol para los británicos y referente de elegancia para las revistas de moda. Hoy la inglesa es rostro estelar de Chanel para su perfume Coco Mademoiselle, pero su foco está en la interpretación; ya ha pasado por TV, cine y teatro.
—Ahora parece que inicias una nueva etapa en tu actuación.
—Nunca me habían ofrecido un papel como éste, por eso estaba emocionada. ¿En cuanto a lo que enseña? No lo sé. Lo que me gusta de este trabajo es que tratas de entender el mundo a través de ojos de otro. ¿Lo logré? No, y nadie lo hace. Lo más difícil fue la idea de contradicciones. Resulta perfectamente posible pensar una cosa y lo contrario al mismo tiempo. Suena tan simple. Discutí con los analistas sobre si ella odiaba o no a su padre. También por qué intentaría convertir a Jung en el sádico que fue su padre… si detestaba a su papá. Ellos me contestaron: “Odia a su padre y ama a su padre”. ¿A veces lo odia, otras lo ama?, pregunté. Ellos dijeron que no, ya que es algo que sucede al mismo tiempo. Así somos los humanos.

Lea la entrevista completa en la edición del 20 de Enero.

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La cita fue en un café, dos días después del estreno. Ferrari llega con  su mujer Karen Meyer, dispuesto a revelar cada detalle de la producción que le quitó el sueño durante meses.

¿Cómo llegó a este proyecto cinematográfico?
Por una parte la literatura de la Bombal siempre me ha interesado mucho. Mezclar fantasía con la realidad me atrae, además ese estilo tan suyo de atreverse a escribir desde el erotismo-elegante, más aún sabiendo que se encontraba en una década conservadora llamó mi atención. La investigué y descubrí sus amistades con potentes intelectuales, sus momentos de locura, que era una mujer de armas tomar, enamorada de su amante, que incluso llegó a perder los límites de la cordura. Había una historia de vida muy potente sumada a una literatura rompedora… sólo faltaba el guión.

Define a un personaje que proyecta una gran imagen, lleno de fuerza ¿Cómo logró que la fuerte personalidad de la escritora no empañara el relato final?

La opción fue radical, decidimos contar una historia femenina, llena de contrastes, basada en la persona más que en el ícono de las letras. Sabíamos que iba a estar presente su obra, pero quisimos mostrar sus enamoramientos, la relación con Jorge Alarco su marido homosexual, la intensa conexión con su amante Eulogio Sánchez, el rechazo que éste mismo le hizo. Intentamos abarcar los sentimintos, la emotividad con la que vivió esta mujer, para que el público haga conexiones entre sus libros y los episodios que vivió la autora. Aunque siempre estará su impronta latente, ya sea en segunda o tercera línea.

Blanca Lewin se transformó en la protagonista de la trama, con una interpretación y caracterización aplaudida ¿ Cómo llegó a transformarse en la Bombal?

Siempre supe que tenía que ser ella. En mí, continuamente estuvo Blanca caminando, vestida de época, con esa mirada característica, llena de fortaleza, pero a la vez llena de un dolor interno que produce un quiebre realmente interesante y que se acercaba a la definición que tenía de María Luisa. Cuando me contacté con ella, de inmediato aceptó, porque hace mucho tiempo que a ella le daba vuelta la historia, de hecho tuvo algunos coqueteos en el teatro y otros proyectos de cortometraje, siempre estuvo muy cerca, hasta que al final llegó esta película y no lo dudó.

Con el resto del elenco ocurrió algo similar, Alejandro Goic, actor al que encuentro realmente brillante, interpretó a un personaje homosexual extremadamente sensible, sin cruzar la línea de lo caricaturesco, logró darle una humanidad gigante a su rol. Creo que logramos algo importante.
Alfredo Alonso de la misma forma contextualizaba todo lo que buscábamos para Eulogio Sánchez, un hombre de derecha extrema, una especie de danddy pero con ideas políticas muy rudas y para todo eso la impronta de Marcelo era ideal.
Ximena Rivas, interpretando a la gran Marta Brunet, desarrolló un impecable trabajo, los que conocen a la escritora podrán darse cuenta de ello.
Con la que nunca había tenido la oportunidad de trabajar era con Montserrat Prats, una chica que tiene una naturalidad increíble, se enciende la cámara y no es la actriz la que comienza los diálogos, es la persona, eso ayudó a que le diera una belleza al personaje de Beatriz, sobrina de María Luisa Bombal.

En el ámbito estético, siempre es un desafío llevar a la pantalla producciones de época, ¿Cómo desarrollaron ese proceso?

Es una de las cosas que más disfruto cuando hago una película, ya desde Subterra gozo viendo cómo se logran cada uno de los detalles artísticos. Pero debo hacer mención honrosa a Sergio Amstrong, director de forografía (Tony Manero,Post Mortem, La Nana), Marcela Urivi, nuestra gran directora de arte (Velódromo) y a Loreto Vuskovic (La Remolienda) una tremenda vestuarista, porque fueron la cabeza de todos los aspectos decorativos. La idea era llegar a una película intensa, minimalista y elegante y creo que se logró. Nos inspiró de alguna manera la estética del cine negro norteamericano , buscamos colores, telas que se asemejaran a los años 50.

El trabajo de locaciones también funcionó. Un día domingo a las seis de la mañana estábamos en el centro de Santiago preparando la escena de los disparos y con Blanca quisimos ir al mismo lugar de los hechos, caminamos entre los adoquines y por nuestra cabeza sólo pasaba el por qué de la decisión que tomó Bombal cuando atentó contra la vida del hombre que amaba desesperadamente. Fue un momento muy especial, al igual que las escenas que grabamos en Viña del Mar, en el Jardín Botánico, en casonas antiguas de Santiago y en algunas calles que aún mantienen esa esencia antigua que tanto buscamos.

¿La escena que más le gusta?

La que más emociona es la despedida de María Luisa Bombal y Jorge Alarco, cuando éste último regresa a Argentina, porque ya no soporta la relación de intensidad que ambos mantienen, de igual forma él la espera y se alejan con cariño. Hay un diálogo allí que es sobrecogedor.

¿La más compleja de realizar?

Son dos. La primera es la del disparo, con muchísimos planos, muchas horas, varios extras, técnicamente fue difícil. Y la otra tiene que ver con una escena compleja en su totalidad, cuando Eulogio viola a Bombal, fue duro lo que pasó allí, la tensión sexual que teníamos que mostrar era tremenda, la atracción tiene que flotar en el aire, debe ser un momento verdadero, tiene que contener la violencia y eso es algo fuerte para los actores.

Dijo que esta película habla de una mujer sin límites. ¿Qué características debe tener ella?

La condición humana contiene lo bueno y lo malo a la vez. María Luisa no tuvo límites porque no condicionó ni su escritura, ni su manera de expandir sus pensamientos a lo que decía el cánon social de la época. Le importó un carajo todo, fue como quiso ser. Pero le acarrió problemas como cruzar la delgada línea de la sensatez y el consumo desmedido de alcohol.

¿Existen aún Bombales en nuestra sociedad?

Totalmente. Hoy la mujer tiene un espacio muy ganado, gracias a estos íconos de época tanto en Chile como en el mundo. Pero aún así, quedan parámetros que establecen límites y  que seguramente en 100 años más serán nuevamente transgredidos por alguna.

>En twitter @bombal_pelicula

>Trailer oficial de BOMBAL

La tensión ambiente y el deterioro mental de la anciana hacen de Gatos viejos una de las películas chilenas más crueles de nuestra historia. Pero para alcanzar ese clima, la cinta se llena de excesos y sobreactuaciones como las de Celedón —tan hiperventilada y sin matices como su personaje que grita y se violenta— o Catalina Saavedra con la irritante caricatura de una lesbiana ahombrada. Sólo la solvencia de Bélgica Castro permite que la trama se aguante y no pierda su centro de interés.

Chile, 2010. Director: Sebastián Silva y Pedro Peirano. Con Bélgica Castro y Claudia Celedón. 88 minutos.

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>Trailer Oficial

Ni tan efectivas ni claras ni definitivas, pero propias. En ese sentido, es muy ilustrativo el desprecio de Becca (Nicole Kidman) hacia quienes hacen apología de la respuesta en Dios: el consuelo y la resignación no son patrimonio de ninguna fe. Con todo, termina siendo un filme más cerebral que emotivo.

EEUU, 2010. Director: John Cameron Mitchell. Con Nicole Kidman y Aaron Eckhart. 91 minutos.

>Trailer Oficial

En pleno Buenos Aires me topo cara a cara con Gato con botas y Kitty patas suaves, dos felinos pillos y suertudos que, por estos días, están estrenando sus aventuras en todos los cines del mundo. Antonio Banderas (51) y Salma Hayek (45) —quienes son el alma de estos personajes y están promocionando en Sudamérica la película— parece que aprendieron mucho de ellos y para esta entrevista se comportan como dos gatitos malcriados: regalones, juguetones, astutos, sensuales y algo flojos…

Estamos en el hotel Alvear y los actores ronronean uno muy cerca del otro. Banderas (AB) está sentado en la alfombra, mientras Hayek (SH) se tiende en un sillón cuan larga es. El calor porteño la tiene exhausta. “Siento que me desmayo de debilidad…”, maúlla quejumbrosa la actriz.
Y Antonio ofrece enseguida:
—Si quieres yo hago de Salma en la entrevista.
Y con un falsete coqueto agrega: “Hola, soy Salma Hayek y te voy a contar…”.
—¡Ay, qué pesado eres! (interrumpe ella).
—AB: ¡Pero qué manera de quejarse! Mírala, tiene mejor cara que yo que no he dormido, me he quedado despierto hasta las cuatro de la mañana y ella está perfecta, pero sigue reclamando.
—SH: ¡Qué mentira más grande! No te preocupes —me dice—, ya me tomé una pastilla así que pronto estaré mejor. Vamos a conversar.
Esta dinámica cómplice de Hayek y Banderas no es nueva. Desde que se conocieron en Desperado (1995), esa irregular pero lucrativa secuela de El Mariachi (1992), han sabido sacar partido a la química natural y visible que tienen, lo que se ha traducido en al menos cinco películas. Por eso no extraña que, 16 años después de esa primera colaboración, sean capaces aún de enfrentar con una sonrisa un largo y duro tour mundial para promocionar Gato con Botas, spin off de la popular saga Shrek y la nueva apuesta infantil del gigante Dreamworks.
“No sé cómo se hace la química entre dos personas, pero le estoy muy agradecida a la relación que tengo con Antonio, porque gracias a eso estoy trabajando. Si no hubiera existido, no me habrían contratado en Desperado y no tendría una carrera. Gracias a la química que me ha tocado con esta gran estrella”.
—Interrumpe Banderas: “Siempre me ha tratado como un amuleto”.
Aunque ambos hacen uso calculado de la simpatía, las diferencias también son claras. Desde la apariencia (ella todo el tiempo elegante y él informal, listo ‘para el supermercado’), hasta la calidez que demuestran con otros, sus personalidades están todo el tiempo bien marcadas. Antonio, gentil y presto con quien lo aborde. Salma, aunque espontánea, aparenta por momentos desear que todo llegue rápido a su fin.
Pero, más allá de la buena relación que comparten, ¿cuáles son las razones para que dos estrellas de su nivel accedan a promocionar con una gira vertiginosa una película infantil donde sólo ponen las voces? La respuesta es simple: Gato con Botas es mucho más que la producción animada más importante entre las que llegan a la cartelera mundial este fin de año. El presupuesto de 165 millones de dólares habla de las expectativas que Dreamworks ha fijado en ella, atendiendo a los tres billones de billetes verdes que la saga Shrek recaudó con sus cuatro partes. La unión entusiasta de Jeffrey Katzenberg (fundador y CEO de la compañía) y del director Chris Miller al tour promocional también son muestra de lo mismo.

LA POPULARIDAD ALCANZADA POR ESTE GATO —que apareció desde la segunda película sobre el ogro verde— motivó a la firma a invertir en una cinta exclusivamente dedicada al carismático felino forajido, manipulador y donjuán. Mucho de eso tuvo que ver con la personalidad que le forjó Antonio Banderas desde un primer momento, al punto de dar vuelta el proceso creativo: en vez de poner sólo la voz a un personaje ya creado, él generó los diálogos y características que luego inspiraron el diseño y los dibujos.
En resumen, Banderas es Gato con Botas. De hecho, impregnó al descarado animal con características propias, como la coquetería con las mujeres y algo de juguetona fanfarronería.
“Este es un personaje al que adoro y que construimos en una técnica que para mí era nueva en un país donde llegué sin hablar la lengua y donde se me pedía sólo el uso de mi voz, lo cual ya era una paradoja. Además aporta algo muy importante para la comunidad hispana. Cuando partí a Estados Unidos me dijeron: “sólo podrás interpretar personajes de malos, de villanos”. Y de repente que esta sea la mayor apuesta que ha hecho Hollywood financiera y artísticamente por una película con un carácter hispano, 22 años después de que yo llegara ahí, me produce mucho orgullo. Aquí los personajes heroicos tienen acento y los malos hablan perfecto inglés. Eso es muy bueno para nuestra comunidad latina. Es importante para la diversidad cultural”.
Aunque su relación con el personaje al que pone voz es menos emocional debido a que sólo lo ha interpretado una vez, Salma Hayek considera a la sexy gata ladrona Kitty patas suaves un aporte a su carrera por una razón muy clara: representa un modelo femenino osado y proactivo, además de darle la chance de participar en una superproducción de largas aspiraciones económicas.
“No podía creer la suerte de que me haya tocado hacer este personaje tan lindo. Nunca me la imaginé, porque uno hace la voz sin ver las imágenes y pues quedé muy contenta con esta gatita. A diferencia de Antonio, ella no tiene tanto de mi personalidad… ¡Lo de ladrona no lo han tomado de mí, que quede claro!”, subraya riendo la mexicana. “Las improvisaciones con Antonio que nos permitieron, porque habitualmente no se hace, fueron además divertidísimas. Fue igual que en la vida real, donde siempre estamos peleando por la última palabra”.

Banderas, por supuesto, la interrumpe para dejar en claro el punto. “Claro, esta película nos dio la posibilidad de reírnos de nosotros mismos y eso es sano en los días que vivimos”.
—Ambos tienen currículums extensos. ¿Es un aporte profesional para ustedes un proyecto como éste o sólo se justifican los beneficios anexos?
—Antonio Banderas (AB): Por supuesto, tiene que ver con la técnica que se usa y cómo el personaje se compone a partir de las voces y no viceversa. El guión es una entidad viva y según el material que les vayamos dando a los creativos, ellos van diseñando las personalidades. Por lo tanto, uno tiene que ver en la creación. Por eso ha cambiado mucho la percepción que se tiene del cine animado… (mira a su compañera, que está levantando la mano a su lado). Y ahora Salma quiere añadir algo, porque como ves, ella siempre tiene que acabar todas las frases.
—Salma Hayek: Quiero añadir que hacer esta película nos tomó dos años y medio. Eso habla de la seriedad artística del proyecto. Si sólo se tratara de doblarla no habríamos demorado más que unas cuantas horas. Bueno, quizás al ‘super doblador’ aquí (señala a Antonio) le toma sólo diez minutos, pero como es un poco tartamudo y la gente no lo sabe, en realidad todo lo que nos demoramos fue su culpa. ¡He tenido que soportar esto por dos años y medio… ¡dos años y medio!
—Salma, ¿comparte la idea sobre esta supuesta ‘revancha’ latina que representaría esta película al tener protagonistas con acento extranjero?
—SH: Sí. Antes para los latinos era más difícil y sobre todo para la mujer. Y es diferente ser mexicano que español o europeo. Cuando yo comencé ni siquiera había trabajo. Esta película demuestra que todo es muy distinto ahora.
—Usted tiene 45 años y sigue activa en una industria donde la juventud y la belleza son mandamientos para las mujeres. ¿Cómo sobrevive pese a la competencia y el desprecio por los años en un negocio como éste?
—SH: Pues, ¡no tengo idea! Es un medio muy difícil, sobre todo para la mujer. Me lo pregunto, porque además ahora me está yendo mejor que antes. Siempre me dijeron: olvídate, a los 35 años dejas Hollywood. Y tengo 45 y estoy trabajando más que nunca. Pero en realidad te voy a decir cómo se hace… ¡Se le pega una a Antonio Banderas y cuando le dan la película, a ti te meten de la chica y ahí va una de colada!
—¿Y usted Antonio, hay objetivos por cumplir, tareas inconclusas, materias pendientes?
—El sueño para mí es que mi profesión me siga dando la posibilidad de contar historias, que es lo que me ha gustado hacer desde que tenía 14 años y me subí a un escenario de teatro. Y ahora quiero hacerlo de otra manera, con gente que realmente admire. Quiero trabajar menos como actor y dedicar más tiempo a la dirección y la producción. Tengo una compañía de cine animado en el sur de España y estoy muy entregado a esos proyectos.
—SH: Quiero lo mismo. Pero ya estoy agradecida de haber estado tanto tiempo en un medio tan difícil.
Cuenta que una cinta con Oliver Stone y el doblaje para un nuevo filme animado junto a Hugh Grant la mantendrán activa por al menos otros tres años. Y que el resto del tiempo es para su familia. Lleva dos años casada con el billonario francés François-Henri Pinault, con quien tiene una hija de cuatro años, Valentina.
“Más feliz no puedo estar con la maternidad, es lo mejor que me ha pasado en la vida. Ahora, de que estoy a-go-ta-da, claro que sí… Entre el trabajo, el marido y los hijos todas nos cansamos. Pero no hay mejor manera de cansarse”.
—¿Valentina vio la película?
—SH: Sí y le gustó mucho, está muy orgullosa. Al comienzo yo estaba nerviosa por tener que explicarle que esos gatos en realidad no existen y que sólo es una película. Era como quitarle algo de su inocencia. Pero un día fuimos al cine y pasaron el trailer. Entonces me puse más nerviosa, porque sabía que venía mi gata… Y al verla ella dijo: mira mamá, esa gatita habla igualito que tú.
—Antonio, usted tiene hijos grandes y adolescentes, ya… ¿Todavía es complicado enfrentar la paternidad y combinarla con el trabajo?
—AB: El mayor tiene 26 tacos… uno de ellos vive en Nueva York, tiene una banda de rock and roll… Dakota, la segunda, ya trabaja en el cine y la pequeña de quince años sigue estudiando. Ella es mucho más seria que yo. Y la verdad es que no ha sido difícil para nada, estoy muy contento con ellos.
—SH: La más pequeña va a ser presidenta de Estados Unidos, sin duda.
—AB: No puede porque nació en España. Pero no importa. No queremos que sea presidenta de nada. Queremos que se divierta.

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Dice que el nombramiento de Margaret Thatcher fue simplemente “genial”, Conservadora, desprejuiciada, de gran resistencia física, se manejaba con un pequeño equipo, destaca Meryl Streep. Ella la personifica en una película que, antes de su estreno, ya pinta para Oscar.

“Margaret Thatcher es la líder femenina más importante que ha tenido Inglaterra desde Isabel I, por eso quería la actriz más importante del mundo en su papel”, dijo Phyllida Lloyd, directora de The iron lady. La historia, que protagoniza Meryl Streep, se desliza entre el presente y el pasado de la baronesa y recuerda los momentos clave de quien fuera primera ministra británica entre 1979 y 1990, en contraste con su vida actual, dominada por el enclaustramiento y la demencia senil.
Aunque todavía no se estrena en Estados Unidos y Europa, ya se habla del Oscar para la actriz —de Kramer vs Kramer y Los puentes de Madison, entre otras tantas—, quien posee el récor de nominaciones al galardón ( 16) y que ha ganado dos.
Streep (62 años) habló sobre los retos que implica ‘ser’ la Thatcher, como imitar su peculiar tono de voz, profundizar en su vida y pensamiento político. Casada desde 1979 con el escultor Don Gummer, lleva una vida muy ocupada, pero en persona tiene tanta gracia como parece.
—¿Cuál fue el mayor desafío de este rol?
—¿Lo más difícil que debí hacer? Bueno, leer mucho. Usualmente no tengo que leer tanto, pero sentí la responsabilidad de entender los  acontecimientos de la vida de Margaret Thatcher de manera correcta. Tuve que sumergirme en su persona y, de su última etapa, imaginar a una persona mayor que no está fotografiada o grabada en video, de la que no sabemos nada directamente. Resultó de verdad maravilloso ilustrarme más y más sobre una figura muy controversial; aprender lo que no sabía, ser sorprendida por ello y, además, imaginarlo de alguna forma sobre mí.
—¿Fue deprimente verse vieja?
—¡Me veo vieja todos los días! (ríe). Y lo extraño es que como estás en películas, ahí te ves a ti misma más joven y el contraste resulta chocante. Pero tengo tres hijas, así es que me veo a mí misma y a mi esposo joven todo el tiempo.
—En la película dices que antes todo era sobre “intentar hacer algo”, mientras en la de Thatcher todo es sobre ser alguien.
—Creo que esa es una pregunta sobre la falta de autenticidad que trae consigo nuestra realidad de ser grabados 24/7 constantemente. Desde que estamos en posición fetal somos fotografiados… aun antes siquiera de haber nacido. Y la autoconciencia que lo acompaña es como estar siempre caminando con un espejo al frente.  Entonces, nuestras figuras permanentemente están viéndose a sí mismas y autoevaluándose. Lo raro es que en la era de la información seamos más cuidadosos que antes…
—Thatcher también dice en la película que no quiere morir lavando una taza de té y al final la vemos  haciéndolo. ¿Eso realmente lo comentó ella alguna vez o estaba en el libro en el cual basaron la historia?
—Es una secuencia imaginaria de su juventud y vejez, pero viene de que las mujeres jóvenes usualmente dicen ‘No seré como mi madre’ o ‘nunca voy a hacer eso”. Y, luego, cuando alcanzan una cierta edad, ¿adivina qué? Tú sabes… Lo que rechazan es, en realidad, el hecho de que tener una vida larga implica envejecer, y nadie quiere eso. Pero todos, si tenemos suerte, nos volvemos viejos, así que se trata de un tema interesante.
—Recién dijo que Thatcher es una figura controversial, pero también que en la política actual extrañamos su claridad. En los Estados Unidos, quizás el Presidente Obama está enfrentando ese problema.
—Yo no escribí la película, pero reconozco que es refrescante cuando las personas dicen exactamente lo que piensan y lo mantienen. Así al menos conoces a tu enemigo. No pretendo presumir de opinar sobre Obama. Creo que es un gran Presidente, que tiene el trabajo más difícil del mundo y no ufanarme de saber cómo debe hacer ese trabajo, pero pienso que existe una percepción: antes de que las encuestas entraran al proceso, (los gobernantes) podían ser más claramente ellos mismos.
—¿Qué le gustó de lo aprendido con Margaret Thatcher?
—Algunas cosas realmente me sorprendieron, como que nunca tuvo un cocinero… Ahora yo no sé, si tu mujer fuera la Primer Ministro de Inglaterra o si yo lo fuera (risas) tendría uno. Pero a ella le gustaba preparar la comida. Era famosa, también, por su gran resistencia física, no necesitaba más de cuatro o cinco horas de sueño por la noche. Además, se manejaba con un pequeño equipo de colaboradores. Por ejemplo, el de la Casa Blanca está formado por unas 400 personas, mientras que en Downing  Street 10, residencia oficial de los gobernantes ingleses, ¡había 60! Es increíble como manejó el personal y todo el trabajo duro que hizo gracias a su extraordinaria resistencia. Y nunca parecía estar enferma, aunque siempre tuvo grandes problemas en sus dientes.
—Margaret era políticamente conservadora…
—Sí, pero no en el sentido en que entendemos ese concepto en Estados Unidos. Por ejemplo, podría haber desmantelado el programa National Health, el servicio estatal de salud, pero lo defendió, lo que acá para un conservador habría significado la excomunión. También era famosamente desprejuiciada respecto de los antecedentes de las personas. Tenía en posiciones de alta jerarquía gente ajena a su círculo social, judíos en el gabinete, homosexuales en su equipo. No despedía a nadie por hacer algún escándalo; sólo le importaba lo que ellas hacían en su trabajo. En Estados Unidos no podía haberlo sido.
—Terminó gustándole.
—Es que me sorprendió. Creemos saberlo todo, pero no siempre es así.
—¿Qué le habría preguntado?
—Bueno, es difícil decirlo porque sufre de demencia y no se reúne con personas públicamente. Si hubiese estado con ella… La vi hablar una vez, en 2002, cuando llevé a mi hija al college in Northwestern, Chicago, y ella estaba dando un discurso en la Unión de Estudiantes. Se trataba de un discurso sobre el final de la Guerra Fría, una suerte de deconstrucción de su propio legado. Iba a exponer entre 45 minutos y una hora, con una ronda de preguntas de media hora, así es que nos sentamos en el balcón a escucharla. Ella habló de una manera que  parecía una lectura preparada. Luego los niños se alinearon… no tenía muchos partidarios en Northwestern (risas), pero respondió todo respetuosa, reflexivamente, en párrafos completos, bellamente redactados. Resultó impresionante: estuvo hora y media y debieron detenerla, porque se volvía cada vez más animada.
—Ella hizo algunos sacrificios por su trabajo. Usted tiene cuatro  hijos, ¿en algún punto se sintió haciéndolos también?
—Todos quienes trabajan y son padres hacen sacrificios, al igual que los de grandes ambiciones en la vida. En mi caso, usualmente se filma cuatro meses; luego puedo parar. Es un sistema extrañamente amable para las madres e, incluso, puedes traer al rodaje a los bebés. No es como ser una abogada o arquitecta. Mi mejor amigo —arquitecto— trabaja incluso el fin de semana, mientras trata de criar a dos hijos. La industria del espectáculo es buena en ese sentido.
—En la película, Thatcher le dice a Dennis, su marido, que la vida importa. Usted ha hecho papeles fantásticos. ¿Cómo lo diría?
—Siento que he tenido más oportunidades que la mayoría de los actores de interpretar personajes realmente interesantes. Que a uno le den la oportunidad representa el 90 por ciento del trabajo. Lo restante es desempeñar el rol y estar a la altura de la oportunidad. Es en ese espacio en que he tratado de vivir… pero conseguir el trabajo es el gran tema ahora. No hay muchos lugares donde uno pueda, excepto en el teatro,  actuar y verter  sus convicciones, a menos que uno produzca sus películas. O escribirlas y producirlas, lo cual yo no hago.
—¿Hay algo que habría hecho distinto?
—¡Oh sí!, muchas cosas, de seguro, pero ¡qué importa! Todo en la vida es una decisión. Se reduce a eso. Resulta muy difícil… Y uno ni siquiera sabe si las opciones que tomó son las correctas. La incertidumbre recién se acaba cuando tus hijos tienen hijos (suspira), por lo que es una ansiedad constante. Una de las razones por las que hice esta película fue para mirar en la vida de una persona pública y de ahí conectarla en algún punto en una historia sobre tú y yo, sobre todos nosotros entrando al cuarto final. Sobre como dejamos cosas atrás, como nos reconciliamos con nosotros mismos con el costo de las decisiones que tomamos en nuestra vida. Desde esa mirada, es una película existencial.
—¿Lee cosas sobre sí misma?
—Solía hacerlo al principio, pero hiere tanto los sentimientos que dejé de hacerlo. Paré. Si uno tiene una piel permeable se mete y piensas sobre ello por meses, años (risas). Entonces, ¿para qué hacernos eso?
—Pero usted sólo obtiene buenas críticas. ¿A pesar de eso no las ve?
—Quizá debiera…
—¿Recuerda el momento en que Margaret Thatcher fue elegida Primer Ministro?
—Sí. Me acuerdo que pensé que era algo estupendo, aun cuando no tenía nada en común con sus políticas. Creí que era genial (que una mujer alcanzara tan alto cargo) y me dije ‘si puede pasar en Inglaterra, el país más conservador del mundo, estamos a solo un par de años de que tengamos lo mismo’. Pero aquí estamos, 30 años después…
—Ese mismo año usted ganó un Oscar, interpretando a Joanna en Kramer versus Kramer.
—Tuve a mi hijo en 1979, cuando ella fue elegida. Lo otro no lo sé, no recuerdo (risas)… creo que fue en el ’80. Tendré que chequearlo.
—La campaña por el Oscar está en marcha y sabemos que a usted no le gusta ¿Cómo lo enfrenta?
—Me gusta el Oscar.
—Pero no le gusta la campaña masiva, las alfombras rojas y todo lo que rodea la entrega de premios. ¿Cómo lo encara tras haber sido nominada tantas veces?
—No me gusta la campaña. Se siente raro e impropio.
—Ha interpretado a muchas mujeres fuertes. ¿Hay alguna que la haya inspirado, que reconoce como modelo y por qué?
—Mi madre y mi abuela… Porque ellas no se guardaban lo que pensaban sobre las cosas y disfrutaban sus vidas. Es eso a lo que siempre he aspirado: trabajar duro, pero divertirme (risas).
—¿Fue difícil imitar el modo en que habla Thatcher?
—Sí. Fue muy particular, porque todos somos extranjeros en el inglés, pero el oído inglés distingue toda pequeña distinción de clase. Si alguien abre la boca, antes de que diga nada, saben donde naciste, te criaste y fuiste a la escuela. Y donde fue o no fue tu madre. Sólo obtener el rango de voz de una mujer era un desafío al que había que sumarle  todas las intenciones de clase que los ingleses escuchan. Y los falsetes en su voz, que simplemente no le gustaban al oído inglés. Aspiró con su acento a ser algo que no era y ellos lo resintieron.

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Diciembre promete estrenos multitudinarios y poco espacio para lo que no sea cine comercial. Las recetas para batir los récords de público incluyen gatos, pingüinos y vampiros, entre otras estrategias.

Desde los nunca bien ponderados vampiros románticos hasta el retorno de viejos personajes que marcaron la infancia de varias generaciones… Numerosas son las alternativas que se disputarán un pedazo del pastel navideño en la cartelera nacional, conquistando a ese público que busca zafar del estrés pre-navideño viendo un buen filme  animado o de acción. Como ya es la tónica, gran parte de la oferta llegará en formato 3D, con decenas de copias para cada uno de los estrenos, que reducirán de forma considerable cualquier aspiración por ver un tipo de cine menos comercial o fantasioso en los grandes complejos del país.

Los fuegos los abrió el 17 de noviembre la nueva entrega de la saga Crepúsculo: Amanecer Parte I, una de las más esperadas por las adolescentes (y no tanto) románticas que han hecho colapsar los cines con los capítulos previos basados en los libros de Stephenie Meyer. Al igual que la última producción de Harry Potter, la película será exhibida de manera fragmentada, reservando la continuación para el mismo día, pero de 2012. La idea es romper nuevos récords de recaudación e incrementar de forma considerable los casi dos billones de dólares que las tres primeras partes de la serie han conseguido hasta ahora.
Protagonizada por el mismo elenco (Kristen Stewart, Robert Pattinson y Taylor Lautner), esta cuarta cinta desarrolla las temáticas más “adultas” de la obra literaria, centrándose en el matrimonio de la humana Bella y el chupasangre Edward, la consumación de su tormentoso romance y el complicado embarazo de la heroína, el cual pone en riesgo su vida. Los fanáticos nacionales comenzaron a adquirir hace semanas sus entradas, inquietos ante la inminente conversión de la protagonista en inmortal, para defender su gran amor de las amenazas de fuerzas superiores malignas.
La temporada de fantasía continúa con una propuesta animada mucho más infantil a partir del 24 de noviembre, una vez que se estrene Happy Feet 2, secuela de la producción homónima del año 2006, la que llega en formatos 3D y 35 milímetros. La historia es similar a la primigenia: Erik, el hijo del pingüino bailarín Mumble, intenta cultivar sus talentos en su rígida y prejuiciosa comunidad, la que es protegida por sus padres de una grave amenaza. La moraleja se mantiene: no discrimines la diferencia, todo ser vivo es especial y único, con la ayuda de la familia y amigos todo es posible.
En la versión original las voces de los protagonistas están a cargo de Elijah Wood y Robin Williams, aunque a Chile se enviarán sólo copias dobladas al español.

Las alternativas animadas se incrementan a partir del 1 de diciembre con el estreno de Operación Regalo 3D, la cual aborda una duda fundamental en todo niño moderno que va dejando atrás la inocencia absoluta para comenzar a cuestionar ciertos aspectos absurdos de los cuentos que narran mamá y papá. La pregunta es válida: ¿cómo es posible que Santa Claus pueda entregar tantos regalos en una sola noche? Haciendo uso de todo su ingenio para salvar la situación y perpetuar la magia, los guionistas urden una explicación que pretende neutralizar los cuestionamientos infantiles, al menos por un par de años.
Pero no sólo de mitos vive el hombre. Los adultos también tendrán un estreno ad hoc a la temporada con Los Tres Mosqueteros, que debuta el mismo 1 diciembre con 40 copias, 20 de ellas en formato 3D. Un elenco relativamente desconocido da vida a los personajes de Alexandre Dumas en esta nueva versión: Logan Lerman, Luke Evans, Matthew Macfadyen y Ray Stevenson son los protagonistas, a quienes se unen la especialista en acción improbable Milla Jojovich y el galán Orlando Bloom.
Dirigida por Paul W.S. Anderson (Resident Evil, Alien vs. Depredador), el guión es fiel al clásico: Athos, Porthos y Aramis son tres guerreros de élite que sirven al rey de Francia como sus mejores espadachines. Tras descubrir una malévola conspiración para derrocar al monarca, se cruzan con un joven que aspira a convertirse en héroe, D’Artagnan, a quien toman bajo su tutela. Juntos emprenden una peligrosa misión para frustrar el complot que amenaza no sólo a la corona, sino al futuro de toda Europa.

GATO CON BOTAS 3D ES, SIN DUDA, UNO DE LOS ESTRENOS MÁS ESPERADOS. Se podrá ver desde el 8 de diciembre. Se trata de un spin off (historia paralela desprendida) de la popular saga Shrek y que tiene al valeroso, ladino, manipulador y algo cínico felino como protagonista.
Antonio Banderas vuelve a poner voz y personalidad al carismático personaje, tanto en la versión original en inglés como en la doblada al español. Ahora llega acompañado, además, de otra latina de oro en Hollywood, Salma Hayek, quien presta sus cuerdas vocales a una atractiva y salvaje gata que se convierte en aliada del héroe. Inspirada lejanamente en el cuento del francés Charles Perrault, la historia ha sido modernizada por Dreamworks, una de las empresas más efectivas en materia de animación digital y en nuevas historias para niños con humor irreverente y aventuras ingeniosas. Noventa y cinco copias, 37 de ellas en 3D, dan cuenta de las expectativas.
Más humilde en sus aspiraciones es Año Nuevo, que también arriba el 8 de diciembre. Se trata de una secuela de la comedia romántica Día de los enamorados, protagonizada por un glamoroso elenco, diverso en calidad: Robert de Niro, Sarah Jessica Parker, Ashton Kutcher, Michelle Pfeiffer, Hillary Swank, Jessica Biel y Halle Berry figuran en los créditos. Incluso el rockero Jon Bon Jovi tiene una aparición en la cinta, que narra varias tramas cruzadas y sabrosas acaecidas la noche del 31 de diciembre.

Alvin y las Ardillas 3, que debuta en salas el 15 de diciembre, ofrecerá dura lucha en el territorio de las producciones infantiles y adolescentes. La saga, que mezcla animación digital y live action, comenzó de forma sencilla y sin gran parafernalia, pero ha ido ganando público y adeptos con cada una de sus nuevas entregas desde el año 2007. En esta oportunidad, los tres dulces roedores viven otra intensa aventura al caer del crucero donde viajan para recalar en un paraíso desconocido, en el cual encuentran extrañas criaturas con las que deben interactuar.
La cinta es una de las pocas que se estrenarán sólo en el formato 35 milímetros.

SI QUIERE MÁS ADRENALINA, MISIÓN IMPOSIBLE: PROTOCOLO FANTASMA, cuarta parte de la franquicia protagonizada por Tom Cruise, la traerá a partir del 21 del próximo mes.  El hiperventilado agente Ethan Hunt debe ahora enfrentarse a la difícil tarea de limpiar el nombre de la organización secreta a la que pertenece, IMF, cuando ésta es acusada de terrorismo. Todo ello, por supuesto, da pie a renovadas y rebuscadas acrobacias que pretenden demostrar el buen estado físico de Cruise para esos avatares, pese a sus cumplidos 49 años.
Dato curioso: el director del filme es Brad Bird, quien trabajó por primera vez con personas reales luego de hacer carrera en Pixar y la animación digital, con títulos como Los increíbles, Up y Ratatouille. El presupuesto de ciento cuarenta millones de dólares con que contó para esta cinta habla, sin embargo, de la confianza puesta en él por sus nuevos jefes de Paramount Pictures.

La temporada de cine navideña cierra con la nueva película de Los Muppets, que trae de regreso a la Rana René, la Chanchita Piggy y todos los personajes que marcaron la infancia de varias generaciones a fines del siglo pasado. Con estreno programado para el 29 de diciembre, el filme (noveno en la historia que se basó en el popular programa de televisión, Plaza Sésamo) cuenta también con la participación de Mila Kunis y Selena Gómez, esta última por cortesía de la empresa productora Walt Disney Pictures.
El argumento es simple: convertidos en grandes estrellas, los legendarios títeres deben reunirse para salvar su antiguo estudio de la codicia de una empresa extractora de petróleo que busca destruirlo. Destinada a niños y adultos que crecieron viendo el show en la pantalla chica, Los Muppets apuesta a convertirse también en un buen cierre de año para los exhibidores nacionales.

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Ese es su mayor activo y su peor defecto: la impulsividad. Barney es un hedonista que satisface sus deseos sin importar si afectan o no al resto. Pero la película trata todos estos gestos sin mucho rigor como si fuesen simples travesuras. Porque la película no es la indagación de la sicología dislocada de un egocéntrico, sino una mirada superficial y condescendiente a los actos reflejos de un “loco lindo”.

Canadá-Italia, 2010. Director: Richard J. Lewis. Con Paul Giamatti y Rosamund Pike. 134 minutos.

>Trailer de la película Sr. Barney

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Se encuentra en medio de la promoción de su nuevo documental titulado “El Mocito”, su agenda es estrecha y hace pocos días llegó desde Cuba, donde participó en el Festival de Cine de La Habana. Se declara amante de de las buenas historias y París, donde vivió durante 10 años. No ve televisión y le interesa que los cineastas nacionales muestran las verdaderas realidades de Chile. Critica a las Isapres, el manejo de la Teletón y considera que el país está viviendo un clima pre-revolucionario.

De ojos azul claros y mirada profunda, esta realizadora audiovisual, ex alumna de la Universidad La Sorbonne en Francia, declaró hace algunas semanas en su cuenta personal de twitter que “este es un país de cobardes”, afirmación que mantiene hasta hoy. Lo dijo, luego de enterarse a través de un correo electrónico que la cadena de Cines Movieland, había sacado de cartelera su recién estrenado documental El Mocito, por razones técnicas, según su versión.

¿Cree que esta polémica afectó de alguna forma la positiva publicidad que ha logrado su último trabajo?

Lo importante es que la película ha gustado, ha recibido súper buenas críticas, he tenido un buen feedback del público… muchas personas me han dicho que es increíble. Para mí eso es lo importante. El resto son problemas aparte, son conflictos que tiene el cine chileno en su conjunto y en su relación con los exhibidores, ellos hacen lo que quieren. No existen los contratos en esto y eso mismo hace que estemos muy desprotegidos. Es un tema como para ir a preguntarle al SERNAC.

¿Siente que hubo una falta de respeto hacia usted y su película?

Lo que más me molestó fue el trato, no me llamaron, no intentaron ubicarme. Creo que no fueron los términos adecuados. Fueron muy irrespetuosos en su manera de hacer las cosas y cometieron un gran error y ahora lo están pagando caro. Sus argumentos fueron vacíos. Esta es una película pequeña que no presenta mayores problemáticas técnicas, por ende toda esa historia de que pueda competir con los Dvds me parece absurda.

Se dice que al cine chileno le va mal y que la mayoría de la gente prefiere películas producidas por la industria Hollywoodense ¿Por qué ocurre esto?

Claro que nos va mal si no nos dan salas y no sólo a mí, el director Andrés Wood tuvo que pelear para que le dieran salas en donde mostrar Violeta se fue a los cielos, los Pitufos tenían más funciones que esa gran película. Este es un tema muy complejo, Hollywood llega con una maquinaria gigante, vas al cine y tienes la misma película en cinco salas, entonces las producciones europeas y latinoamericanas se quedan sin nada. Y que no se haga un espacio para historias nacionales realmente no lo entiendo. Lo ideal sería imponer una cuota obligatoria; es decir, que se obligue a los exhibidores a tener una cuota de cine chileno en sus pantallas, quizás sea la forma en la que podamos llegar al público.

La han señalado como una mujer demasiado crítica, se ha dicho que sus películas tienen toques comunistas, ¿En El mocito se refleja algo de eso?

Esto no es comunismo, esto trata de Derechos Humanos, tema que le concierne a todos, tanto a los de derecha como a los de izquierda. Que me importen los Derechos Humanos no tiene que ver con mi orientación política, el cine es opinión y un cineasta que no tiene algo que decir, no existe. Quizás me interesan temas que no son abordados por los medios, un tanto más complicados o complejos,  de eso me reconozco culpable. El mocito me impresiona porque es una historia que refleja algo reciente, como el mocito hay muchos. Nuestra sociedad se ha preocupado de las víctimas de ese período político, sabemos un poco lo que pasó en los cuarteles, pero no hemos abordado temas de la DINA o de la CNI, no sabemos qué es de esas personas que trabajaron allí, independiente de los altos mandos. Siento que no ha investigado el cómo se organizaron estos organismos, por eso me llamó la atención este tema.

El personaje central del docuemntal es Jorgelino Vergara, ¿Por qué es el eje central de la trama?

El es un ser humano quebrado y uno se pregunta si él está en ese estado producto de lo que vivió o simplemente es así. Creo que luego de ver durante 10 años los horrores que él presenció, no se puede salir indemne de una situación como esa. Cuando lo ví, dije él es la película, por su historia, porque era mucho más complicado, se trataba de un joven de 16 años, menor de edad, venía del campo y además era huérfano. Eso hace que sea más difícil enjuiciarlo, porque en su vida no hay blancos ni negros, ahí habían grises y ese es el campo donde nadie quiere entrar y de donde me tomé para realizar esta producción.

En el relato hay pasajes bastante crudos, ¿Hay escenas que fueron editadas para no causar tanto impacto?

Con el codirector Jean De Certeau, decidimos focalizarnos en el objetivo de la película. Ésta no iba a ser el recuento de los horrores sucedidos en esa etapa de la historia chilena, porque la gente ya sabe lo que sucedió, es cosa de entrar y leer los blogs de cualquier víctima. A nosotros, nos interesaba el retrato sicológico de este personaje. Dejamos mucho material fuera. El relato de Jorgelino tiene mucha frialdad en la forma en que lo cuenta, creo que una persona que ha vivido tanto ya no le afectan situaciones como las que mostramos nosotros.

¿Cómo es trabajar con su marido en el rol de coodirector ?

No es la primera vez que trabajamos juntos, ya en Opus Dei habíamos compartido. Creo que es súper bueno porque dos cerebros siempre son mejor que uno y eso es muy positivo para la película. Creo que somos talentos complementarios, él es alguien mucho más reflexivo y preocupado del detalle, es muy minucioso. Está siempre preocupado de lo mínimo. Disfruto trabajar con él, somos una pareja que se ve bastante, por eso decidimos trabajar juntos, somos muy unidos.

¿Quién propone los temas?

Generalmente yo. Soy una especie de motor y él es el cerebro. Soy aries, signo de fuego y fuerza, entonces yo parto con todo, con las ideas y los proyectos y Jean es quien los aterriza, una especie de cable a tierra.

Haber vivido diez años en Francia marcó la vida de Marcela, aprendió el idioma a la perfección, conoció a su actual compañero y logró apoderarse de una visión más amplia del mundo y las diversas realidades en continentes tan dispares como América Latina y Europa.
¿Qué elementos sociales tomó de los franceses para luego incluirlos en sus trabajos ?

Es un país muy crítico de todo, pero a la vez es una sociedad mucho más justa.Uno sabe que una persona no se morirá de hambre jamás, que puede ir al hospital y tener salud gratis aunque esté cesante y además tengo claro que sus hijos se están educando en buenos colegios. En cambio en Chile eso es impensado. Voy a poner el ejemplo de la Teletón, me carga la Teletón porque no soporto la política de colecta social. Lo que Chile necesita es justicia no colectas. La solución a esos problemas no pasa por andar con un tarrito, pasa por el Estado y en Francia es así. La sociedad se hace cargo de los problemas.

¿Y aquí eso no ocurre?

Este es un país súper egoísta, donde la gente que habla de resolver el problema de la inequidad no hace nada por resolverlo. Me encantaría que éste fuera un Chile más justo, me encantaría que pudíesemos resolver los problemas del medio ambiente, que la educación mejorara y por lo mismo soy tan crítica de los chilenos, porque considero que hay cosas que se pueden solucionar. Hay que tomar conciencia, no basta con decir demos vuelta la página.

¿Qué piensa del empoderamiento que ha logrado la sociedad chilena durante este año?

Me parece positivo, creo que estamos viviendo un clima pre-revolucionario, los jóvenes se están empoderando. Los chilenos han sido muy abusados, por las entidades bancarias, por las isapres, y por tantos otros factores, somos un país abusado. Y llega un momento en que la gente dice basta, la gente ya no da más, estamos obligados a realizar un cambio. Creo que si no encontramos rápido una solución, esto va a terminar mal, desembocará en algo que nadie quiere. La violencia que estamos viendo con la quema de campus universitarios y buses del Transantiago me parece que son el límite. La clase política chilena debe ser más responsable y dejar de lado sus propios intereses para hacer eco del interés común.

Marcela Said está en twitter: @MarcelaSaid

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