Nueva York es la ciudad donde todo sucede. Hay actividades para todos los gustos, donde se destaca principalmente la amplia oferta para quienes se interesan en el arte y su historia. Dentro de ellos, el Metropolitan Museum of Art es uno de los más importantes de la ciudad; reconocido por su extensa colección que comprende desde la Antigüedad Clásica hasta la actualidad. Así, el museo reúne objetos, instrumentos musicales y obras de arte que forman parte de la historia universal.

Con tanto que mostrar, no es raro que el clásico edificio de la Quinta Avenida quedara estrecho para organizar y exhibir su sorprendente colección de arte moderno y contemporáneo. Recuerdo que la vez que estuve ahí, hace cinco años, me impactó la cantidad de obras icónicas de Andy Warhol, Jackson Pollock, Jasper Johns, David Hockney o Chuck Closepues, en teoría, el museo de arte de los últimos siglos por excelencia es el MoMA.

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Es así como en marzo de este año se inauguró el Met Breuer, a pocos pasos del Central Park y a ocho cuadras de la principal sede de la quinta avenida, ubicado en plena Madison Avenue. El edificio que antiguamente ocupaba el Whitney Museum of American Art fue diseñado por Marcel Breuer, construido en 1966 y remodelado para albergar la nueva sede del Metropolitan, donde se exhibirá exclusivamente arte del siglo XX y XXI.

Pero llegar a lo grande no es tarea fácil. ¿Cómo lograría la institución establecer el vínculo con el público, transmitir la esencia y transportar el estandarte del Met a este nuevo espacio?

La respuesta está en “Unfinished: Thoughts Left Visible”, la exposición inaugural que estará abierta hasta septiembre de este año, que muestra alrededor de 200 obras inconclusas y en proceso abarcando desde el Renacimiento hasta la actualidad. Según Kelly Baum, curadora de la muestra, esta exhibición se divide en dos líneas de trabajo; aquellas obras que literalmente se encuentran inacabadas y otras que parecieran estarlo, con el objetivo de instaurar la reflexión en torno a cuándo se determina (o qué podría determinar) realmente que una obra de arte esté terminada.

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“(En esta exposición) mostramos la pintura fantástica de Alice Neel, donde sabemos ahora que el modelo nunca llegó a su segunda sesión, pues estaba a punto de irse a la guerra de Vietnam… Tenemos este hermoso retrato de alguien cuya vida fue interrumpida”, comenta la curadora Andra Bayer con respecto al sinfín de posibilidades en el video promocional de la exposición.

De esta manera, lo lúdico e interactivo que puede llegar a ser el espectador como pieza faltante para completar la obra, pareciera ser clave. No sólo estamos frente a un proceso, sino también al desenmascaramiento de sistemas de producción que muchas veces se mantienen a lo largo de la historia, al mismo tiempo que se revelan diferentes modos constructivos.

Un ejemplo de este punto es la presentación de algunas pinturas incompletados, como la de Anton Raphael Mengs y Sir Thomas Lawrence, donde el cuadro ha sido trabajado hasta cierto punto y se ha dejado en blanco otros zonas, matando el tabú artístico que instaura el trabajo simultáneo en todo el cuadro como lo correcto al momento de pintar una obra.

Por esta razón, Unfinished invita a mirar la obra inconclusa y hacer un recorrido por los procesos de grandes maestros de la pintura como Leonardo Da Vinci, Tiziano o Rubens para luego lograr comprender la apropiación del “inacabado” en la segunda tanda de obras modernas y contemporáneas. Lo inconcluso se utiliza como recurso, aludiendo finalmente a la continuidad y transversalidad del arte en sí mismo, a su vez que se confirma la esencia del Met, al hacer un link entre el pasado y la producción actual.

Modos constructivos y de composición, tratamiento de luces/sombras y simplificación de las formas en el dibujo previo, que sumado a una gran cuota de contexto se presentan como obras maestras en sí mismas independiente a su inacabado… Y esa apreciación en gran parte, es fruto de una gran historia que culmina en cómo se articulan las estrategias visuales y recursos del arte actualmente.

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